daily recommended exhibitions

posted 20. Sep 2021

Robert Rauschenberg. Channel Surfing

10. Sep 202123. Oct 2021
Robert Rauschenberg. Channel Surfing Sep 10 – Oct 23, 2021 FOR IMMEDIATE RELEASENew York – Pace is pleased to present Robert Rauschenberg: Channel Surfing, an exhibition of more than 30 works by the renowned American artist at 540 West 25th Street in New York. Running from September 10 to October 23, 2021, the presentation focuses on Rauschenberg’s response to the rise of global media culture from the early 1980s to the mid-2000s. Spotlighting Rauschenberg’s return to painting after a decade-long hiatus from the medium, this exhibition examines the artist’s development of a radical new approach to his canvases that combined elements of photography, printmaking, and sculpture. Robert Rauschenberg: Channel Surfing traces the artist’s creation of a visual language that addresses fundamental transformations in media culture in the late 20th-century, a period marked by the apotheosis of television and the emergence of the internet. Focusing on the final decades of Rauschenberg’s longtime explorations of the reach and power of technology, the exhibition showcases the artist’s reinvention and reimagining of his early artistic investigations of the 1960s. It also highlights Rauschenberg’s turn toward using his own visual archive of photographs and prints as material for his later works, a shift from his earlier use of appropriated imagery. A selection of major and rarely seen works from private and public collections will be on view in the show, including works from the series Salvage (1983-85), Shiners (1986-93), Copperheads (1985/89), Gluts (1986–89/1991–94), Urban Bourbons (1988-96), Arcadian Retreats (1996), Anagrams (A Pun) (1997-2002), Apogamy Pods (1999-2000), Short Stories (2000-2002), Scenarios (2002-2006), and Runts (2006-2008). Spanning three decades of Rauschenberg’s expansive and deeply influential practice, Channel Surfing offers a focused survey of the later years of the artist’s career. Anchoring the presentation is the large-scale painting Colonnade (1984), a key work from the artist’s Salvage series. In that series, Rauschenberg explored the possibilities of repurposing imagery from his own past, setting into motion much of the work that would follow. Monumental and bold, Colonnade exemplifies his interest in forging visual circuits between history and the present. September 10 – October 23, 2021540 West 25th StreetNew York Robert Rauschenberg: Channel Surfing Robert Rauschenberg, Climb (Urban Bourbon), 1993© 2021 Robert Rauschenberg Foundation / Artists Rights Society (ARS), New York FOR IMMEDIATE RELEASEA presentation of photographs by Rauschenberg on view in the gallery’s library builds on these connections between the artist’s paintings and photography late in his career. Included in this showing are three works from the artist’s Photem Series, photo collages mounted on aluminum and produced in the early 1990s, and a group of digital prints of photographs Rauschenberg originally shot on film created in the same period. Rauschenberg’s engagement with globalization is a recurring theme throughout the exhibition. In the mid-1980s, the artist presented the international traveling exhibition Rauschenberg Overseas Culture Interchange (ROCI), through which he advocated for art’s power to enact meaningful social change and cultivate exchange across borders. In the following years, he began using his practice to address connections between the forces of globalization and the threat of environmental destruction. On view in this exhibition are several major sculptures from his Gluts series, which the artist created after a trip to Texas amid an economic crisis precipitated by an excess of supply in the oil market. Included in this group of sculptures, which incorporate found objects and signage, is the celebrated work Primary Mobiloid Glut (1988), on loan to Pace from the Whitney Museum of American Art, New York. Rauschenberg’s late paintings are distinguished in part by the use of nontraditional supports, including copper, aluminum, galvanized steel, and, eventually, polylaminate. The exhibition draws connections between his use of these materials and the metal of the Gluts sculptures, linking the formal characteristics of the artist’s earlier works with ongoing issues related to globalization and climate. The reflective surfaces of these late paintings also serve a participatory function, bringing viewers into the works as active contributors and emphasizing art’s potential impact on individuals and global systems alike. Another highlight in the exhibition is a selection of the artist’s Apogamy Pods, which will be presented on the gallery’s seventh floor. Rauschenberg once commented that with the Apogamy Pods, he wanted to create paintings that “grow out of themselves,” and which “contain their own contradictions and get rid of narrative, which is the sex of picture-making.” By leaving large swathes of the picture plane almost entirely blank, he frustrates viewers ability to make sense of the works and distill them into stories, forcing audiences to contend with the physical presence of the work itself, the wall on which it hangs, and the surrounding space that occupied along with it. Robert Rauschenberg (b. 1925, Port Arthur, Texas; d. 2008, Captiva, Florida) captured the experimental spirit of postwar art with his constantly innovative practice, bringing traces of reality into his work while blurring distinctions between media. Although he eschewed defining affiliations, his interdisciplinary practice positioned him as a forerunner of nearly every artistic movement following Abstract Expressionism. Rauschenberg’s celebrated Combines (1954–64) juxtapose disparate media with found objects and imagery, encompassing a space between painting, photography, collage, printmaking, sculpture, and performance. Developing his philosophy that painting relates to both art and life, Rauschenberg further investigated this dialogue through collaborations with artists, musicians, choreographers, performers, and writers.

540 West 25th Street
NY 10001 New York

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posted 19. Sep 2021

James Ensor

11. Jun 202103. Oct 2021
11.06.2021 bis 03.10.2021 **James Ensor** Das Werk des belgischen Künstlers James Ensor (1860-1949), der berühmte „Maler der Masken“, ist tief in der Geschichte der Kunsthalle Mannheim verwurzelt. Bereits 1928 wurde der Maler dort in einer Einzelausstellung als bedeutender zeitgenössischer Ausnahmekünstler gefeiert. Nun widmet die Kunsthalle James Ensor erneut eine große Ausstellung, in deren Zentrum das Schicksal eines Bildes steht, das einst zur Sammlung des Museums gehörte: Das Gemälde „Der Tod und die Masken“ wurde 1937 von den Nationalsozialisten als „entartet“ beschlagnahmt und befindet sich heute im Musee des Beaux-Arts Lüttich. Anlässlich der Ausstellung kehrt es temporär nach Mannheim zurück. In den 1950er Jahren wurde als Ersatz für das verlorene Bild das Gemälde „Der tote Hahn“ erworben, das beispielhaft für Ensors Stillleben steht, die einen wichtigen Stellenwert in seinem Schaffen beanspruchen. Als Bild im Bild taucht es in Ensors zentralem „Das malende Skelett“ auf. Um diese drei Bilder gruppieren sich weitere internationale Leihgaben zum Motivkreis Selbstbildnis–Maske–Tod–Stillleben, die zeigen, wie eng verflochten diese Thematik in Ensors Schaffen war. Ergänzt wird die Schau durch den umfangreichen Grafikbestand des Künstlers in der Kunsthalle, darunter „Scènes de la vie du Christ“ und „La Gamme d‘ Amour“. Insgesamt werden über 60 Gemälde, 120 Arbeiten auf Papier sowie einige Masken aus Ensors Besitz zu sehen sein. Kuratorin: Dr. Inge Herold


James Ensor 


Inge Herold 
Kunsthalle Mannheim

68165 Mannheim

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posted 18. Sep 2021


29. May 202103. Oct 2021
Congoville Contemporary artists tracing colonial tracks May 29–October 3, 2021 Both the Middelheim Museum and the University of Antwerp are situated where the Colonial College was founded in 1920. More than one hundred years later, the Middelheim Museum confronts and examines the traces of the (post)colonial history of the site. It does so by bringing together new historical research with contemporary artistic views. Congoville invites artists to reimagine the Middelheim terrain as a renewed historical and public space. Guest curator Sandrine Colard uses Congoville as a collective name for physical and mental vestiges of the colonial past in Belgium. These traces are often hidden in plain sight and continue to have a conscious or unconscious effect in today’s society. They include street names, monuments, and built patrimony; colonial myths and the mentalities that these nurtured, the African presence and the experiences borne by people of African descent. Certainly the Middelheim site, as a former focus point of colonial education, is part of this unseen city. For the exhibition, 15 internationally renowned artists, in the role of “black flâneurs,” take the visitor on a walk in the park. They guide us in a quest to revisit the past and transform the public space into a truly shared one; they present new and different perspectives of a history that is too often told from a single perspective. “Today, as a free and an open air art museum, the Middelheim has the democratic potential to invite diverse visitors to look at colonial and postcolonial history through the eyes of black flâneurs of the world, and to transform Congoville from being a creation of colonial exploitation to a map for a future postcolonial utopia.” —Sandrine Colard, 2020 The 15 artists who participate in the exhibition are Congolese, African and African descendants, or have developed over the years a longstanding practice and firsthand knowledge about the postcolonial history of the Congo and Belgium. All artists seek to reverse the role of the park as a former training ground for colonial college students, and to take the visitor on a temporal and decolonial walk guided by the gaze of Congolese, South African, Nigerian, and African-American artists, among others. Curator: Sandrine Colard (Belgium/US) Artists: Sammy Baloji (Belgium/Democratic Republic of the Congo), Bodys Isek Kingelez (Democratic Republic of the Congo), Maurice Mbikayi (Democratic Republic of the Congo), Jean Katambayi (Democratic Republic of the Congo), KINACT collectief (Democratic Republic of the Congo/France), Simone Leigh (US), Hank Willis Thomas (US), Zahia Rahmani (Algeria), Ibrahim Mahama (Ghana), Angela Ferreira (Portugal/Mozambique), Kapwani Kiwanga (Canada), Sven Augustijnen (Belgium), Pascale Marthine Tayou (Cameroon/Belgium), Elisabetta Benassi (Italy), Pélagie Gbaguidi (Benin). Publication: together with Leuven University Press, Middelheim Museum is publishing an exhibition catalogue in which, alongside interviews with the artists, numerous authors, academics and experts zoom in and out on the project. With contributions of: Sandrine Colard, Nadia Yala Kisukidi, Sorana Munsya & Léonard Pongo, Filip De Boeck and Bas De Roo, among others.


Sandrine Colard 
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posted 17. Sep 2021

Günter Brus. Bild-Dichtungen

18. Jun 202117. Oct 2021
18.06.2021 –17.10.2021 **Günter Brus. Bild-Dichtungen** Eine Retrospektive des Genres „Bild-Dichtung“ Eine umfangreiche Schau mit mehr als 900 beschriebenen und bezeichneten Einzelblättern widmet sich dem Genre der Bild-Dichtung, das Günter Brus begründete. Spezifisch ist, dass „das Bild und die Dichtung gleichbedeutend nebeneinanderstehen. Die Bilder sind somit keine Illustrationen zu den Texten, sondern sie werden vom Künstler absichtlich kontrapunktisch gesetzt“, so Kurator Roman Grabner. Von den 1970ern bis in die 2000er-Jahre entstanden Bild-Dichtungen in verschiedenem Umfang. Mache umfassen nur drei Blätter, die umfangreichste Brus’ and Blake’s Job hingegen 162. Ab etwa 2009 entstanden so gut wie keine neuen Bild-Dichtungen, weil Günter Brus sich – wie er selbst sagte – „ausgezeichnet“ hatte und sich vorwiegend seiner Literatur widmete. Im Jahr 2020, im Zuge des Corona-Lockdowns, konnte er nicht mehr in seinen Stammlokalen schreiben und kehrte wieder in sein Atelier zurück, wo neue Arbeiten aus diesem Genre entstanden. Die Ausstellung zeigt die Fülle seiner Bild-Dichtungen von den Anfängen bis zu den jüngsten Blättern aus dem Jahr 2020. „Ich wollte mir die Sprache vom Leib weg schreiben.“ Mit der Zerreißprobe beendet Brus 1970 seine Aktionszeit und es entsteht ein zeichnerisches Werk, das mehrere 10.000 Blätter umfasst. Aus dem Auftrag, eine Dokumentation seiner Aktionen zu verfassen, entsteht 1971 der Text-Bild-Band Irrwisch, „eines der radikalsten Bücher der Welt“, wie Peter Weibel meint. Der Irrwisch repräsentiert den Übergang vom Körper zum Textkörper und weist mit dem letzten, handgeschriebenen Kapitel über die Pfaueninsel auf seine Bild-Dichtungen voraus. Ähnlich wie der Irrwisch ist auch der nächste Schritt auf dem Weg zur Bild-Dichtung dem Zufall geschuldet. Brus fertigt für die Galerie Michael Werner in Köln ein Konvolut von über 100 expressiven Farbstift-Zeichnungen, die für eine Folgeausstellung gedacht sind, nachdem die erste Präsentation mit Zeichnungen aus der Irrwisch-Zeit ein überraschender Erfolg war. Enttäuscht darüber, statt der realistischen, provokant-pornografischen Bleistiftzeichnungen nun plötzlich wild hingefetzte Farbstift-Zeichnungen zu erhalten, denen er die kapitalistische Verwertung abspricht, retourniert der Galerist dem Künstler das Konvolut mit dem Kommentar, dass dieser einen falschen Weg eingeschlagen hätte. Brus beginnt daraufhin die DIN-A4-großen Zeichnungen auf Karton zu kleben und frei dazu zu schreiben. Es entstehen als 18. Schachtel in der Edition Hundertmark 30 siebbedruckte Schachteln, in denen sich je 5 beschriebene und mit Zeichnungen versehene Seiten befinden ‒ Der Balkon Europas. In der ersten Ausgabe des Balkons hebt der Künstler zuerst wortschöpfend eine Art erotische Litanei über das „Weib Europa“ an, um auf den letzten beiden Blättern die Spieler der Fußballmannschaft von Austria Wien der frühen 1950er-Jahre aufzuzählen. Erst mit der Edition Der Balkon Europas wird die Verquickung von bildender Kunst und Literatur bei Brus zu einem bewussten künstlerischen Prinzip. Günter Brus und William Blake In den 1970er-Jahren werden die „illuminated manuscripts“ von William Blake Vorbild und Legitimation seiner eigenen Manuskripte, wie er seine Bild-Dichtungen zu diesem Zeitpunkt noch nennt. Ähnlich wie bei den prophetischen Büchern von Blake scheint das Verhältnis von Bild und Text auf den ersten Blick bestechend, doch stellt sich bei näherer Betrachtung heraus, dass es keine exakte Übereinstimmung gibt, keine einfache Kohärenz der Motive und Sprach-Bilder. Bereits 1977 hat Brus William Blake eine Bild-Dichtung gewidmet, bei der er drei seiner Gedichte selbst übersetzt hat und zeichnerisch erweitert. In Die Erzeugung der Erzengel aus Schmutz zeichnet er eine Art Ahnengalerie und Blake sitzt ihm als Engel auf der Schulter. In den Jahren 2007 bis 2008 entsteht sein spätes Hauptwerk Brus’ and Blake’s Job. In dieser umfangreichsten Bild-Dichtung zieht Brus auf 162 Blättern noch einmal alle Register seines Könnens und zeichnet, schreibt, malt und collagiert zu Blakes Buch Hiob. Die Bild-Dichtung ist eine Synthese von Sprache und Bild, bei der sich die beiden Ausdrucksformen nicht bedingen, sondern ein dialektisches und kontrapunktisches Neben- und Miteinander führen. Der Text gibt keine Erklärungen zum Bild ab, doch ist er reich an sprachlichen Bildern und Metaphern. Die Zeichnung stellt keine Illustration des Geschriebenen dar, obgleich in ihr ebenso poetisch erzählt wird. Alleine die unterschiedlichen Entstehungsprozesse einer Bild-Dichtung machen es nahezu unmöglich, diese in Kategorien zu packen. Manchmal geht Brus von eigenen Texten aus, zu denen später Zeichnungen entstehen, manchmal entstehen zuerst Zeichnungen, die später durch Texte ergänzt werden. In einigen Fällen hat Brus Texte von anderen Autoren mit Zeichnungen versehen, in einigen Fällen hat er vorhandenes Bildmaterial textlich überarbeitet. „Im Idealfall verschränkt es sich miteinander“, wie er selbst schreibt. Hat er in seinen Aktionen die Grenzen der Körperkunst ausgelotet, so hat er sich mit seinen Bild-Dichtungen an den Grenzen der Sprache angesiedelt. Dort, wo das Vermögen der Sprache endet, beginnt die Zeichnung, und dort, wo die Linien und Farben ihre Erschöpfung finden, beginnt die Sprache. Die aktuelle Ausstellung zeigt erstmals ausschließlich die Bild-Dichtungen von Günter Brus und ist bis 17.10.2021 zu sehen.


Günter Brus 
Neue Galerie Graz / Bruseum

NEUE GALERIE / BRUSEUM Joanneumsviertel, Kalchberggasse
8010 Graz

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posted 16. Sep 2021

Laura Owens & Vincent van Gogh

19. Jun 202131. Oct 2021
from 19 June to 31 October 2021 **Laura Owens & Vincent van Gogh** During this summer 2021 the Fondation Vincent van Gogh Arles is presenting an exhibition bringing together new works by the American artist Laura Owens with seven paintings by Van Gogh, most made in and around Arles. Owens is one of the most celebrated American artists working today. For twenty-five years she has asked probing questions about the parameters of painting. She has expanded painting’s possibilities by breaking through the boundaries between painting and other fields of visual and material culture such as embroidery, design, children’s illustrations and digital drawing. In this exhibition, Owens’s works will host and respond to Van Gogh’s paintings. Owens spent most of 2020 living in and around Arles, and her new work comes out of meticulous research into the history of the city and of Van Gogh’s connections here. Like most artists, Owens has known Van Gogh’s work since she was a child, and she has looked at his art in various ways throughout her career. One of her breakthrough paintings, now in the collection of the Whitney Museum of American Art, Untitled (1997), shows black birds over a seascape, reminiscent of Van Gogh’s Wheatfield with Crows (1890). Owens’s conceptual use of dramatic impasto, especially since 2012, recalls the textures of Van Gogh’s best known works. The seven Van Gogh paintings to be shown at the Fondation Vincent van Gogh Arles include loans from museums with which Owens has a deep connection. Hospital at Saint-Rémy (1889) comes from the Hammer Museum in Los Angeles, the city where she lives when not in Arles. Other key loans include The Fields, painted in Auvers-sur-Oise shortly before Van Gogh died. Laura Owens has often addressed the spaces where she has exhibited. Many early works responded to the architecture of a gallery; more recently, Owens has installed canvases as sculptural objects and embedded paintings within gallery walls. For this exhibition she has created a vast painting, in the form of a unique hand-painted and silkscreened wallpaper installation, which will cover the entire walls of the rooms where the Van Gogh works will be exhibited. Many of the motifs in the wallpaper come from designs made by Winifred How, who worked in London as an artist and designer shortly after Van Gogh was alive. Owens discovered an archive of How’s work in Los Angeles while considering the invitation to make this show in Arles. Aware of Van Gogh’s incredible fame and the total obscurity of another artist from nearly the same period, she chose to celebrate How’s work in hosting Van Gogh’s. The exhibition will feature several artist’s books inspired by Van Gogh’s letters and work, including a book about each of the paintings borrowed for the exhibition. These books are intricate sculptural objects with complex fold-outs, and viewers will have the opportunity to open them out to discover their contents. The books will be exhibited on specially made tables. The tables have hidden features which might make the books move around them in an intimate but magical spectacle. The books also draw from Owens’s research into the cholera pandemic in the second half of the nineteenth century, an event that resonates with the circumstances during her 2020 stay here. Van Gogh’s interest in setting up an artists’ community in Arles is echoed in Owens’s career-long efforts to create spaces for other artists to exhibit. In collaboration with Maja Hoffmann and LUMA Arles, Laura Owens has also started a parallel project in Arles. She has turned an apartment building, located in the town centre, into a studio and living quarters for artists who will spend short residencies there; this space will slowly be filled with their, and her art. Co-curated by Bice Curiger (artistic director of the Fondation Vincent van Gogh Arles) and Mark Godfrey (British art historian, critic, and curator), the exhibition will share how Laura Owens explores the images, colours and methods of Van Gogh, creating a conceptual framework for her investigations. * LAURA OWENS Born in 1970 in Euclid, Ohio, Laura Owens is an American painter based in Los Angeles. A graduate of the Rhode Island School of Design (1992), the Skowhegan School of Painting and Sculpture (1994), and the California Institute of the Arts (1994), she rose to prominence over the course of the 1990s, becoming one of the most acclaimed artists of her generation. She is known for her varied and experimental approach to the medium of painting, mixing different techniques and incorporating other media, such as digital design, into her creative process. While her work focuses on the practice of painting itself, Owens also addresses the contexts in which her art is displayed. She is thus interested in modes of installation and site-specificity. In addition to her activity as a painter, Laura Owens has also produced over two hundred unique and editioned artist’s books, sometimes accompanied by custom-made tables with hidden drawers and other surprises. In 2013, together with Wendy Yao, she founded the arts space 356 Mission. For five years 356 Mission hosted exhibitions, discussions and performances that were free and accessible to all. Works by Laura Owen today form part of prestigious private and public collections, ranging from the Centre Pompidou (Paris) to the Museum of Modern Art (New York) and the Tate (London). VINCENT VAN GOGH (1853-1890) Vincent van Gogh was born on 30 March 1853 in Groot-Zundert in the Netherlands. At the age of sixteen he joined Goupil & Cie, a firm of art dealers in The Hague, and subsequently worked in the company’s offices in Brussels, London and finally Paris. He gradually lost interest in the commercial art world and, in 1878–1879, he became a lay preacher in a mining community in the Borinage area of Belgium. In August 1880 Van Gogh decided to become an artist. He wanted to be a painter of everyday life, and, above all, of peasant life, following in the footsteps of artists such as Jean-François Millet. Landscapes and still lifes, too, became an important part of his oeuvre. In Paris in 1886 he discovered Japanese prints and met some of the Impressionist artists. Convinced that colour was the key to modernity, Van Gogh left for Provence in search of bright light and vibrant colours. Dreaming of establishing a community of artists, in February 1888 he settled in Arles. Gauguin joined him in October, but their collaboration collapsed in late December of that year. Disappointed and ill, in May 1889 Van Gogh admitted himself to a psychiatric hospital in Saint-Rémy, where he remained for a year. He continued with his search for an expressive art based on colour and brushstrokes, creating more than 500 paintings and drawings during his 27 months in Provence. In May 1890 Van Gogh moved to Auvers-sur-Oise, where in just over two months he produced the final 70 paintings of an oeuvre that comprises more than 2,000 works. He died on 29 July 1890 at the age of 37. Van Gogh’s artistic genius and the poignant story of his life transformed him into a veritable international icon.

artists & participants

Laura Owens,  Vincent van Gogh 
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posted 15. Sep 2021

Doreen Garner: Steal, Kill and Destroy: A Thief Who Intended Them Maximum Harm

03. Sep 202114. Nov 2021
opening: 02. Sep 2021
03.09.2021 – 14.11.2021 Eröffnung: 02.09.2021 **Doreen Garner: Steal, Kill and Destroy: A Thief Who Intended Them Maximum Harm** Doreen Garners Skulptur- und Performance-Arbeiten beschäftigen sich mit der Geschichte der medizinischen Experimente an schwarzen Körpern in Amerika und dessen systematischer Ausbeute. In Auseinandersetzung mit historischen Ereignissen und kulturgeschichtlichen Phänomenen zeigt Garner die problematische Beziehung von Medizin und Rasse auf, die bis heute anhält. Die figurativen Werke der Künstlerin bestehen unter anderem aus Silikon, Glasfaserisolierung, Kunststoff, Vaseline, künstlichem Haar, Kristallen und Perlen, und ähneln fragmentierten, ja sogar amputierten Körperteilen oder menschlichen Überresten. In ihrer ersten institutionellen Ausstellung in Europa Steal, Kill and Destroy: A Thief Who Intended Them Maximum Harm (Stehlen, töten und zerstören: Ein Dieb, der ihnen größtmögliches Leid zufügte) zeigt Garner drei Objekte, unter anderem eine eigens in Auftrag gegebene Neuproduktion. Im Zentrum der Präsentation steht die Darstellung von schwarzen entmenschlichten wie auch jene von weißen Körpern, die diese Entmenschlichung zu verantworten haben. Durch ihre experimentelle additive Herangehensweise, verschiedenste Materialien zu kombinieren, entstehen einzigartige anthropomorphe Objekte zwischen Nouveau Realisme und Pop Art, die die Erniedrigung und Vergegenständlichung schwarzer Körper schonungslos wiedergeben und weiße Körper klar als jene ausweisen, die jenes Leid auslösen. In der Reflexion von Vergangenheit und Gegenwart widmet sich die Ausstellung verschiedenen Aspekten innerhalb der modernen Medizin und entlarvt sie als höchst problematische Disziplin, die auf Mechanismen der Ausbeute und Unterdrückung beruht. Für die neue Werkgruppe Roughly documented, Three Million Eighty Eight Thousand Seven Hundred and Seventy Six (2021) und Roughly Documented, Three Million Eight Hundred Ninety Four Thousand and Fifty Six (2021) schuf Garner zwei Objekte als Flaggen, die jeweils in einem Metallrahmen hängend eine ausgewiesene Vorder- und Rückseite haben. Aus verschiedenen weißfarbigen Silikonstreifen, die unterschiedliche Körperteile mimen, nähte die Künstlerin Oberflächen, die als Einheit die Muster der Nationalflaggen des Vereinten Königreichs und Portugals wiedergeben. Die weiße Haut auf der britischen Flagge erscheint hier nicht nur fragmentiert, sondern mit Blasen übersät, wie sie bei einer Syphilis- oder Pockenerkrankung entstehen würden. Während auf dem größeren Abschnitt der portugiesischen Flagge die Oberfläche mit Anzeichen von Scharlach gezeichnet ist, zeigen sich auf dem restlichen Teil solche von Syphilis oder Pocken. Die Rückseite der Arbeiten sind nur mit Hilfe von zwei Spiegeln betrachtbar, die an der Wand hinter den hängenden Objekten angebracht sind. Blickt man auf die Bilder, die jene reflektieren, erkennt man dunkelbraune und schwarze Körperteile. Die Arbeit entstand während der noch immer anhaltenden globalen Covid-19-Pandemie und verhandelt den weißen Körper als ​„Kolonialkörper“, der aus historischer Perspektive angetrieben von der Inbesitznahme vormals unbekannter Territorien konstant Krankheiten und Viren verbreitete. In diesem Zusammenhang wird historisch auf vornehmlich von weißen Körpern übertragene Krankheiten wie Syphilis, Pocken, Scharlach, Beulenpest, Typhus, Gelbfieber und Malaria Bezug genommen. Während Garner in dieser Gegenüberstellung einen klaren Bezug zwischen Kolonialismus, Politik und Medizin herstellt widmet sich die Arbeit THE PALE ONE (2020) in Verwendung einer allegorischen Sprache ebenfalls dem kolonialisierenden weißen Körper. Das Objekt aus Silikon, Urethanschaum, künstlichem Haar und Swarovski-Perlen stellt einerseits das Maul eines Drachen als auch einen Pferdekopf dar. Garner wurde für diese Arbeit durch die biblische Geschichte des apokalyptischen Reiters inspiriert, der als Tod auf einem weißen Pferd reitet und die dystopische Kraft besitzt, ein Viertel der Weltbevölkerung mit sich zu reißen. Die Werke beschwören nicht nur die Schrecken der Vergangenheit, sondern zeigen klar auf, dass auch heute die Disparitäten zwischen einer privilegierten, mobilen weißen Mehrheit und einer farbigen, ökonomisch schwachen Minderheit fatale Wirkungen vor allem auf letztere haben. Red Rack of Those Ravaged and Unconsenting (2018) lenkt den Blick auf ganz konkrete Ereignisse in der Entwicklung der modernen Medizin in den USA. Hier steht der durch experimentelle Operationen fragmentierte weibliche schwarze Körper im Vordergrund. Eine wichtige Referenzfigur dafür ist der amerikanische Gynäkologe James Marion Sims (1813 – 1883). Seine bedeutendste Arbeit war die Entwicklung einer Technik zur Behebung von vesikovaginalen Fisteln, einem abnormalen oder chirurgisch hergestellten Durchgang zwischen Blase und Vagina, der im 19. Jahrhundert eine kata strophale Komplikation bei Geburten darstellte. Von 1845 bis 1849 führte Sims grausame Experimente an versklavten und absichtlich nicht betäubten Frauen durch, bis er eine chirurgische Technik zur erfolgreichen Operation der Fistel entwickelte. Red Rack of Those Ravaged and Unconsenting (2018) entstand im Nachdenken über diese spezifischen entmenschlichenden Verfahren von Sims. In der Zusammenführung der drei Arbeiten stellt die Ausstellung Steal, Kill and Destroy: A Thief Who Intended Them Maximum Harmden Versuch dar die Erniedrigung des schwarzen Körpers und die tatsächlich gelebte Erfahrung schwarzer Menschen nicht als eine universelle menschliche Bedingung zu begreifen, sondern die durchdringenden faktischen Ursachen dieser Traumata aufzuzeigen. Gleichzeitig unternimmt Garner eine Revision der Kunstgeschichte indem sie gegen die lange Zeit verharmloste und glorifizierte Darstellung weißer Täter arbeitet. Kuratiert von Cathrin Mayer Doreen Garner *1986 Philadelphia, lebt in New York studierte an der Tyler School of Art an der Tempel University in Philadelphia und an der Rhode Island School of Design in Providence. Die Arbeiten von Garner wurden unter anderem im MoMA PS1, New York; The National Museum of African American History, Washington und Pioneer Works, New York präsentiert. Garner hatte Residenzen und Stipendien bei Recess Art, New York; dem International Studio and Curatorial Program, Socrates Sculpture Park, New York; Pioneer Works, New York; und der Skowhegan School of Painting and Sculpture, Madison. Sie ist eine lizenzierte Tattoo-Künstlerin.


Doreen Garner 


Cathrin Mayer 
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posted 14. Sep 2021

steirischer herbst ’21

09. Sep 202110. Oct 2021
Neue Festivaldaten für den steirischen herbst ’21: 9.9.-10.10.21 Der steirische herbst gibt neue Daten für seine 54. Ausgabe bekannt: Das Festival findet heuer von 9.9.–10.10. statt, und damit um eine Woche verlängert und zwei Wochen vorverlegt. Grund für die adaptierte Festivallaufzeit ist die zu diesem Zeitpunkt noch immer nicht absehbare epidemiologische Situation im Herbst und die damit einhergehenden Maßnahmen zur Eindämmung der Pandemie im kommenden September und Oktober. Daher erscheinen Formate unter freiem Himmel für den steirischen herbst ’21 produktionssicherer – und folglich die Frage der Wetterfestigkeit entscheidend. Intendantin und Chefkuratorin Ekaterina Degot: Für die Festivalplanungen 2021 sehen wir uns mit fast denselben Fragen und Herausforderungen konfrontiert wie letztes Jahr. Mit Paranoia TV haben wir 2020 eine erfolgreiche und zeitgemäße Antwort auf die Pandemie gefunden. Eine simple Wiederholung dieses Konzepts kommt für uns nicht infrage, denn die Parameter und Umstände haben sich nach über einem Jahr Pandemie verändert, und das beeinflusst natürlich, was die Menschen bewegt. Außerdem liegt es in der DNA des Festivals, sich immer wieder neu zu erfinden. Die Verschiebung der Festivallaufzeit ist in der Geschichte des steirischen herbst nichts Ungewöhnliches. Auch vergangene Ausgaben haben immer wieder damit experimentiert. Die Pandemie zwingt uns nun erneut zum Umdenken in dieser Beziehung. Das Konzept für den steirischen herbst ’21 und teilnehmende Künstler:innen werden im Juni bekannt gegeben. Als Festivals im Festival finden das ORF musikprotokoll und Out of Joint, das Literaturfestival in Kooperation mit dem Literaturhaus Graz, natürlich ebenfalls während der adaptierten Laufzeit statt.
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posted 13. Sep 2021


02. Sep 202130. Oct 2021
MONICA BONVICINI. STAGECAGE Eröffnung: 1. September 2021, 19 Uhr Die Künstlerin ist bei der Eröffnung anwesend. Ausstellungsdauer: 2. Sept. - 30. Okt. 2021 Wien, 12. Juli 2021 ".... Um 1450 vergleicht der italienische Bildhauer, Ingenieur, Architekt und Architektur-theoretiker Filarete (eigentlich Antonio di Pietro Averlino, * um 1400 † um 1469) den Architekten mit einer Mutter, die ein Kind – das Gebäude – empfängt und zur Welt bringt. ‚Wenn diese Geburt vollendet ist, d.h. wenn er in Holz einen kleinen Reliefentwurf der endgültigen Form gemacht hat, gemessen und proportioniert für das fertige Gebäude, zeigt er ihn dem Vater.‘ In dieser Schöpfungsfabel wird der ‚Vater‘ als Mäzen dargestellt, und wie Platons Demiurg oder Handwerker erschafft der Architekt nicht ein komplettes Gebäude, sondern sein Modell in maßstabsgetreuem Relief." Monica Bonvicini Der Titel STAGECAGE von Monica Bonvicinis erster Einzelausstellung in der Galerie Krinzinger bezieht sich auf eine Ausstellung von architektonischen Bühnenmodellen an der Columbia University. Die gesprühten Zeichnungen von Never Tire (2020) sowie die großformatige Installation Be Your Mirror (2020) oder die Skulptur Stagecage (2021) sind Reflexion und Fortsetzung von Bonvicinis Beschäftigung und Erforschung der Etablierung des privaten Raums im Allgemeinen und seiner Diskrepanzen, wie Isolation, ausgrenzende Dynamik, Enttäuschung und das Aufkommen reaktionärer Gefühle. Die architektonische Installation As Walls keep Shifting aus dem Jahr 2019 findet ihren Widerhall in den modellhaften Skulpturen, die norditalienische Sozialbauten nachbilden, jedoch setzt Bonvicini diese nicht in Reih und Glied, sondern ordnet sie übereinander an. Das Bild, das sich daraus ergibt, ähnelt einer einstürzenden Struktur. Zusammengehalten durch Klammern und Ledergurte erzeugen sie ein bedrohliches und beängstigendes Narrativ innerhalb der perfektionistischen Modelle. Sie verdeutlichen Monica Bonvicinis künstlerische Auseinander-setzung mit Architektur und der ihr innewohnenden Beziehung zu Geschichte, Erinnerung und Machtausübung. Die Skulpturen auf Spiegeltischen sind Bühne und Inszenierung zugleich, sie untersuchen die Verschränkung von Orts- und Sinnstiftung. Bonvicini nimmt den Akt des "Hausbauens" als künstlerische Übung und füllt ihn mit feministischen Wünschen und humorvollen Phantasien auf, wobei sie die Formen und Konzepte ständig verschiebt. Die kahle Beschaffenheit der Struktur offenbart sowohl den Anfang als auch das Ende der Architektur; sowohl die metaphorische Konstruktion aller Gebäude, als häusliche, habituelle und sozial regulierende Räume, als auch die Überreste, die sichtbar werden, wenn Häuser durch sozioökonomischen Ruin, Waldbrände oder andere Naturkatastrophen, die durch den Klimawandel verstärkt werden, dem Verfall überlassen werden, wie in Bonvicinis Serie von Schwarz-Weiß-Zeichnungen Hurricanes and Other catastrophes (2008). Ihre Recherche materialisiert sich in der ortsspezifischen Arbeit Be Your Mirror, bei der die Architektur der Galerie als Ausgangspunkt dient, um über ihre eigene Funktion zu reflektieren. Die Verführung durch Täuschung, die die Kunst erleidet, veranschaulicht durch die halbverspiegelte Oberfläche der 20 Aluminiumplatten, die ansonsten unsauber und nebelig sind. Be Your Mirror reflektiert durch Handarbeit ein klares Bild der GaleriebesucherInnen und erinnert uns daran, dass alles, was glänzt, das Produkt harter, kontinuierlicher Arbeit und Pflege ist. Ob im Kontext emotionaler Arbeit, wie in der Serie NEVER TIRE, oder durch die historisch nicht anerkannte Arbeit von Frauen mit The Yellow Wallpaper (2021) präsentiert die Schau den BesucherInnen vertraute Totems aus Design und Architektur, um die Beziehung zwischen Design, Arbeit und gebauter Umgebung zu problematisieren. Dies wird in Pendant (Guilt) #2 (2020). greifbar, wo die Ästhetik von öffentlichen Räumen, Garderoben und Umkleidekabinen genutzt wird – jene flüchtigen Vorzimmer, die wir jeden Tag unbewusst durchschreiten, unheimlich und volatil, versinnbildlicht durch das Wort GUILT. Im Zentrum der Einzelpräsentation steht die Neonleuchtkraft von Joy, Power, Humor & Resistance (2020), die wie ein kommerzielles Werbeschild für die positiven Dimensionen von Arbeit wirbt – für eine ArbeiterInnenschaft, die sich zusammenschließen kann, um sich gegen kapitalistische Unterdrückung zu wehren. MONICA BONVICINI (geb. 1965 in Venedig, Italien) Ihre vielseitige Praxis, die das Verhältnis von Architektur, Macht, Geschlecht, Raum, Überwachung und Kontrolle untersucht, wird in Arbeiten umgesetzt, die den Sinn des Kunstmachens, die Mehrdeutigkeit der Sprache und die Grenzen und Möglichkeiten der Freiheit hinterfragen. Monica Bonvicini wurde vielfach ausgezeichnet, u.a. mit dem Goldenen Löwen der Biennale di Venezia (1999), dem Preis der Nationalgalerie für junge Kunst, verliehen von den Staatlichen Museen zu Berlin (2005), dem Rolandpreis für Kunst im öffentlichen Raum der Stiftung Bremen (2013), dem Hans Platschek Preis für Kunst und Schrift, Deutschland (2019), dem Oskar Kokoschka Preis, Österreich (2020). Ihre Arbeiten waren auf vielen bedeutenden Biennalen zu sehen, darunter in Berlin (1998, 2004, 2014), Istanbul (2003, 2017), Gwangju (2006), New Orleans (2008) und Venedig (1999, 2001, 2005, 2011, 2015) sowie auf der La TriennaIe Paris (2012); Einzelausstellungen u.a. Palais de Tokyo, Paris (2002), Modern Art Oxford, England (UK) (2003), Secession, Wien (2003), Staedtisches Museum Abteiberg (2005, 2012), Sculpture Center (2007), The Art Institute of Chicago (2009), Kunstmuseum Basel (2009), Frac des Pays de la Loire, Carquefou (FR) (2009), Kunsthalle Fridericianum, Kassel (2011), Centro de Arte Contemporaneo de Malága (ES) (2011), Deichtorhallen Hamburg (2012), BALTIC Center for Contemporary Art, Gateshead, England (UK) (2016), Berlinische Galerie (2017), Belvedere 21, Wien (2019) und Kunsthalle Bielefeld (2020). Permanente Skulpturen im öffentlichen Raum RUN (2012) im Queen Elizabeth Olympic Park, London, Hun ligger/She lies (2013) im Hafenbecken von Oslo vor dem Opernhaus und Stairway to Hell (2003) im Istanbul Modern. Monica Bonvicini lebt und arbeitet in Berlin.
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posted 12. Sep 2021

Charlotte Posenenske - from B to E and more

11. Sep 202128. May 2022
opening: 11. Sep 2021 11:00 am
11.09.2021 – 28.05.2022 Eröffnung: 11.09.2021, 11:00 **Charlotte Posenenske from B to E and more** curated by Vincenzo de Bellis Am 11. September 2021 eröffnet in der Antonio Dalle Nogare Stiftung die erste italienische Ausstellung von Charlotte Posenenske, kuratiert von Vincenzo de Bellis. Charlotte Posenenske (1930-1985) gehört zu den international renommiertesten Vertreterinnen der deutschen Minimal Art Bewegung und arbeitete hauptsächlich als Bildhauerin. Ihre Skulpturen erhielten sowohl in Deutschland als auch weltweit große Anerkennung bis sich die Künstlerin 1968 dazu entschied, sich gänzlich der Soziologie zu widmen. From B to E and more ist Posenenskes erste Retrospektive in Italien und widmet sich der Entwicklung der künstlerischen Praxis der früh verstorbenen Künstlerin. Der Schwerpunkt der Ausstellung liegt auf einer Reihe von Werken, welche am bekanntesten sind und allesamt in nicht mehr als einem Jahr entstanden sind. Ihre Arbeit zeichnet sich durch ihre radikal offene Art aus: durch Beharren auf den Konzepten der Wiederholung und der industriellen Produktion entwickelte Posenenske eine Form des Minimalismus, der sich im Gegensatz zu ihren amerikanischen Zeitgenossen mit den sozioökonomischen und politischen Anliegen der 68er auseinandersetzte, um den Status quo des Kunstmarktes zu überdenken und bereits etablierte kulturelle Hierarchien zurückzuweisen. In Jahren von Pandemie und sozialer Proteste, welche aus der Not und der immer wachsenden Sorge über die wirtschaftliche Polarisierung hervorgehen, zeigt die Antonio Dalle Nogare Stiftung Charlotte Posenenske: from B to E and more, mit dem Ziel, eine notwendige Debatte über die Dynamiken zu eröffnen, welche die wirtschaftlichen Strukturen der Welt und insbesondere das zeitgenössische Kunstsystem bestimmen. Die Debatte entsteht anhand die Arbeit einer Künstlerin, welche sich bereits vor über 50 Jahren mit diesen Themen beschäftigt hat, und bezeugt, wie wir trotz des Fortschritts unserer Zivilisation zyklisch mit denselben Anliegen konfrontiert werden, auch wenn sie durch Ereignisse ganz anderer Natur hervorgerufen werden.
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posted 11. Sep 2021

Tim Etchells | Let it come, Let it come: The time we can love

11. Sep 202126. Dec 2021
Tim Etchells | Let it come, Let it come: The time we can love 11. Sept. - 26. Dez. 2021 Tim Etchells (* 1962, Stevenage, UK) ist ein englischer Theaterautor und Performer, Regisseur, Schriftsteller und Lichtkünstler. Er arbeitet in verschiedenen Kontexten und tritt besonders als Leiter des 1984 gegründeten Sheffielder Performance Kollektivs Forced Entertainment in Erscheinung. In den letzten Jahren entwickelte Etchells zahlreiche Arbeiten aus Neon- und LED-Textskulpturen, die weltweit im öffentlichen Raum gezeigt wurden. Dauerhafte Installationen von Tim Etchells findet man in Weston-super-Mare (2010), dem Künstlerhaus Mousonturm in Frankfurt (2012), der Hemdenfabrik Rosemount in Derry-Londonderry, Nordirland (2013) und Lissabon (2014). Tim Etchells’ Projekt für die Fassade der Kestner Gesellschaft wird eine Botschaft der Hoffnung und der Widerstandsfähigkeit vermitteln, die in diesen herausfordernden Zeiten so wichtig ist. Tim Etchells arbeitete in der Vergangenheit mit vielen bildenden Künstler*innen, Choreograph*innen und Fotograf*innen, unter anderem mit Meg Stuart, Elmgreen & Dragset und Vlatka Horvat. Derzeit ist er Professor für Performance & Writing an der Lancaster University, UK. Eines seiner jüngsten Projekte ist „Seen from Here: Writing in the Lockdown” – eine Sammlung literarischer Texte von verschiedenen Schriftsteller*innen, Performancer*innen und Künstler*innen aus Großbritannien, die im Frühjahr 2020 entstanden sind. Tim Etchells lebt in Sheffield, UK und in New York, USA. Kurator: Adam Budak


Tim Etchells 


Adam Budak 
Kestner Gesellschaft, Hannover

Kestner Gesellschaft | Goseriede 11
30159 Hannover

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posted 10. Sep 2021

Michaela Eichwald - Dieter Krieg-Preis

01. Dec 202012. Sep 2021
1 December 2020 – 12 September 2021 **Michaela Eichwald** Dieter Krieg-Preis "Allen Malern herzlichen Dank" Preisverleihung: Am 10. September findet im Lenbachhaus die feierliche Verleihung des Dieter Krieg-Preises statt. Es sprechen: Matthias Mühling, Direktor Lenbachhaus Stephanie Weber, Kuratorin für Gegenwartskunst Christiane Friese, Vorstand der Stiftung Dieter Krieg * Wie sich der Malerei malend ein Schnippchen schlagen lässt, ist eine der kniffligeren Fragen der Kunst. Das Rheinland der 1980er und 1990er Jahre – dort studierte Michaela Eichwald und begann ihre künstlerische Laufbahn – ist bekannt für eine Generation von Künstler*innen, die diese Frage frontal verhandelte. Damit einher ging eine Formulierung des künstlerischen Subjekts als Witzfigur, die ihr pathetisches Scheitern angesichts der Kunstgeschichte und der Warenförmigkeit zeitgenössischer Kunstproduktion selbstironisch, und im Werk sichtbar, ins Spiel brachte. Die Arbeit dieser Vorgängergeneration ist für Eichwald keineswegs belanglos. Doch tritt in ihren Werken kein selbstbezügliches Künstlerinnen-Ich auf den Plan, noch wird die kompromittierte Rolle der Malerei in hochtourig kommerzialisierten Zeiten erkennbar auf der Motivebene verhandelt. Vielmehr tragen sich die "grundsätzlichen und unerschöpflichen Probleme der Kunst" (Eichwald) in ihren Werken zwischen Material und Form aus. Für ihre Malereien verwendet die Künstlerin bevorzugt synthetische Trägermaterialien wie Kunstleder und PVC. Statt wie die klassische Leinwand als neutraler Hintergrund zu dienen, auf dem sich das malerische Ereignis ungestört Bahn brechen kann, stehen das Straußenlederimitat in Bürobeige oder der Autohimmelstoff mit Glitzereinschlüssen diesem Ereignis gewissermaßen von vornherein im Weg. Zu dieser erkennbar zeitgenössischen Warenästhetik der Stoffe verhält sich Eichwalds meist ungegenständliche Formensprache mal anschmiegsam, mal abstoßend, so wie es ihre verschiedenen Malmedien tun (Acryl, Lack, Wachs, Aquarell, etc). Die Künstlerin feilt an Methoden, die auch das fertige Werk, sei es ein Gemälde, ein Text, eine Skulptur oder Fotografie, nicht als unerschütterliche Behauptung erscheinen lassen: "Mehr Unabgesichertes versuchsweise äußern. Mehr Leben, mehr Ausdruck, mehr Unverständlichkeit", beschreibt sie ihren Ansatz in einem Interview. Ein produktives Streunern zwischen den Disziplinen – Schreiben, Malen, Fotografieren – zeichnet ihre Arbeit aus. Augenfällig wird dies unter anderem in ihren ungewöhnlichen und beredten Werktiteln, die aus einer Vielzahl an Quellen stammen – von mittelalterlicher Mystik über zeitgenössische Lyrik und bürokratische Stilblüte bis hin zur dadaistischen Wortkette. Im Lenbachhaus sind Gemälde und Skulpturen der vergangenen drei Jahre zu sehen. Das Gros der Werke ist eigens für die Ausstellung entstanden. Michaela Eichwald ist 1967 in Gummersbach geboren. Ab 1987 studierte sie in Köln Philosophie, Geschichte, Kunstgeschichte und deutsche Philologie. Ihre ersten Texte veröffentlichte sie in den 1990er Jahren, noch bevor sie zu malen begann. Monografische Ausstellungen fanden statt, u.a. am Palais de Tokyo in Paris, dem Kunstverein Schwerin und dem Kunstverein Aachen. Das Walker Art Center in Minneapolis zeigt bis Mitte Mai 2021 eine Einzelpräsentation der Künstlerin. Kuratiert von Matthias Mühling und Stephanie Weber Die Ausstellung ist entstanden in Kooperation mit der Kunsthalle Basel Ausstellungsdaten in der Kunsthalle Basel: 1. Oktober 2021 bis 2. Januar 2022
Lenbachhaus, München

Luisenstraße 33
80333 Munich

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posted 09. Sep 2021


09. Sep 202112. Sep 2021
ART PARIS 23rd edition Grand Palais Ephémère - Champs de Mars, Paris 09.09.2021 - 12.09.2021 The First Modern and Contemporary Art Fair to Take Up Residence in the Grand Palais Éphémère on the Champ-de-Mars After being the first art fair in the world to open its doors in September 2020 after lockdown restrictions ended, Art Paris will also be the first art fair to take up residence in the Grand Palais Éphémère on the Champ-de-Mars from 9 to 12 September 2021. Designed by reknown architect Jean-Michel Wilmotte, this spectacular temporary structure which is situated in front of the École Militaire and close to the Eiffel Tower, will host events scheduled at the Grand Palais until the building reopens for the Olympic Games in 2024. Art Paris has established itself a major art fair for modern and contemporary art. This 23rd edition will bring together 141 galleries from over twenty countries, displaying art spanning from post-war to the contemporary period. Whilst Art Paris is a place for discovery, its distinctive feature is a special emphasis on the European scene combined with the exploration of new horizons of international creative hubs in Asia, Africa, the Middle East and Latin America. Regional and cosmopolitan, the 2021 edition counts 39% of new participants and is marked by the arrival of leading international galleries. Focusing on discovering or rediscovering artists, Art Paris encourages the presentation of monographic exhibitions and supports young galleries and emerging artists in the "Promises" sector. In Portraiture and Figuration. A Focus on the French Scene, guest curator Hervé Mikaeloff shares his perspective on the French scene by means of a selection of 20 artists from the exhibiting galleries. Finally, the "In Paris during Art Paris" VIP programme will showcase the very best cultural events the City of Light has to offer as Paris, a world art capital, embarks on a period of significant transformations.
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posted 08. Sep 2021


08. Jul 202110. Dec 2021
July 8–December 10, 2021 **BIENALSUR 2021** The International Biennial of Contemporary Art of the South The Universidad Nacional de Tres de Febrero (UNTREF) in Buenos Aires, Argentina, announces the opening of the 3rd edition of BIENALSUR—the International Biennial of Contemporary Art of the South—which from July to December 2021 will be held in more than 120 venues in 50 cities in 23 countries with the participation of more than 400 artists. BIENALSUR is a multipolar contemporary art biennial working as a network of associative collaboration between museums, cultural centers, and universities around the globe, stemming from the South of the South as an exercise of indiscipline. It calls to rethink what has been instituted, seeking to contribute to the emergence of new logics of artistic and social circulation on a local and global scale. Because it builds a horizontal network, BIENALSUR links artists, curators, and diverse social groups of different origins and trajectories on an equal footing, thus building new circuits of exchange that only take place within the framework of this project. Unprecedented in its methodology, BIENALSUR includes works and curatorial projects that are the result of an international open call, together with invitations and works from local collections. This unique curatorial strategy spreads out in exhibitions, interferences in museums’ collections, and interventions in public spaces that respond to the particularities of each partner institution while fostering, through its curatorial axes, an international conversation on the most pressing issues for our time. For the 2021 edition, these will be: Ecological Awareness, Ways of Living, Art Politics, Transits and Migrations, and Fluid Constellations. BIENALSUR builds a cartography of its own that opens up to the five continents valuing the local in the global, singularity in diversity, in the defense of the right to culture. Its network extends from the KM 0 at MUNTREF, in Buenos Aires, to the University of the Arts in Tokyo, Japan (KM 18370.3). This unique modality, based in a horizontal and collaborative dynamics, generates, at a time of closure or postponement of major international exhibitions, the possibility of sustaining this edition in the midst of the COVID-19 pandemic by opening exhibitions in each venue as sanitary conditions permit. The first opening took place on July 8 at the Museo Provincial de Bellas Artes de Salta, Argentina, with the exhibition La Escucha y los Vientos, which celebrates the art of the region’s first nations. A staggered calendar of openings will continue until December 2021 reaching a high degree of global simultaneity. In parallel to actions on site, BIENALSUR’s Public Programs—including podcasts, round tables, social media content—its Virtual Venue, the BIENALSUR app and online TV will allow anyone around the globe the possibility of partaking on these discussions and of enjoying remote exhibitions. Some of the artists and curators who will be part of BIENALSUR 2021 are: Kimsooja, Agustina Woodgate, Katja Schenker, Alexis Minkiewicz, Anahita Norouzi, Angelika Markul, Beatriz Santiago Muñoz, Cecile Bart, Celeste Rojas Mugica, Chantal Peñalosa, Claudia Coca, Christian Boltanski, Daniel Canogar, Darren Almond, Katsuhiko Hibino, Edison Peñafiel, Eduardo Basualdo, Elena Mazzi, Emil Finnerud, Gabriel Garcilazo, Geraldo Zamproni, Gernot Wieland, Inka Gressel, Ip Yiuk-Yiu, Barthelemy Tougou, Carola Zech, Juliana Caffe, Juliana Gontijo, Juliana Vidal, Shujin Lin, Laura Huertas Millan, Luis Felipe Noé, Nora Ancarola, Luciana Lamothe, Mehryl Levisse, Michael Dean, Nástio Mosquito, Oscar Murillo, Andrea Fernández, Paola Monzillo, Peter Johansson, Rirkrit Tiravanija, Séverine Favre, Shiro Masuyama, Sujin Lim, Charlotte Crevits, Virginia Roy, Voluspa Jarpa, Yutaka Sone, Vanesa Baird, Oliver Ressler, Tony Oursler General Direction: Aníbal Jozami (Argentina) Artistic Direction: Diana Wechsler (Argentina) Curatorial Council: Liliana Piñeiro (Argentina), Leandro Martínez Depietri (Argentina), Marina Aguerre (Argentina), Benedetta Casini (Italy), Florencia Qualina (Argentina), Florencia Battiti (Argentina), Fernando Farina (Argentina)
BIENALSUR, Buenos Aires

MUNTREF, Av. Antartida Argentina 1355
Buenos Aires

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posted 07. Sep 2021

Murder of a Mannequin. Azade Köker

07. Sep 202104. Dec 2021
07.09.2021 - 04.12.2021 main venue of the gallery in Mısır Apartment **Murder of a Mannequin. Azade Köker** Zilberman is pleased to announce Azade Köker’s new exhibition entitled “Murder of a Mannequin”. The fifth solo exhibition of the artist at Zilberman can be visited between September 7 and December 4 at the main venue of the gallery in Mısır Apartment. “Murder of a Mannequin” reflects Azade Köker’s inquiries about gender, identity, and body. The following questions that the artist puts at the center with her own words echo well with the sculptures, installations, and collages in the exhibition: “How is it that the feminine energy that is the source of the birth of the world and life disappears in the social order? What silences it, limits it, and makes it passive?” The visual references used in the works in the exhibition acts as a documentation of the scenes of harassment and violence against women that we frequently encounter today. We come across dark trails that can be traced back to the Ancient Greek period and futuristic structures in the sculptures which take the audience to various time periods. Two main pillars feed the exhibition: the central themes of identity and belonging within Azade Köker’s early works, and the female figures the artist produced with baked clay, Terracotta in the 1990s. The surface layering tradition, which we are familiar with from Köker’s artistic practice, is reflected in the mysterious forms whose existence, absence, and permeability are mixed with each other in the paper materials she uses. The bodies, which are as voluminous as they are volatile, highlight the points where the top-down identification processes fail and reveal the fictionality of the gender system. Light identities suspended in purgatory trace the cracks through which they can leak and flow. Azade Köker (1949, Istanbul) lives and works alternately in Berlin and Istanbul. She was a professor at the Technical University of Braunschweig in Berlin. Some of her solo exhibitions are Verblendet (Zilberman Gallery, Berlin, 2018), Everywhere, Nowhere (Zilberman Gallery Istanbul, 2016), Azade Köker (Project 4L, Elgiz Museum, Istanbul, 2015), Moving Spaces (Zilberman Gallery, 2013), State of Humanity (Milli Reasürans Art Gallery, Istanbul, 2007), Transparency of Poverty (Otto-Galeri, Munich, 2004), and Transparency of Gardens (Kunstverein, Bielefeld, 2001). Some group exhibitions she participated in are Nature in Art (MOCAK, Krakow, Poland, 2019), The Spirit of the Poet (Zentrum für verfolgte Künste, Solingen, Germany, 2019), Ultrahabitat (Zilberman Gallery Berlin, 2016), Minor Heroisms (Zilberman Gallery Istanbul, 2015), Meeting Point (Kunstverein Konstanz, Germany, 2015) and Imagination and Reality (Istanbul Modern, Istanbul, 2011). Köker’s works are part of many private and public collections. Some of them are Akbank, Istanbul; The British Museum, London; Berlinische Galerie, Berlin; Elgiz Museum of Contemporary Art, Istanbul; Lebendiges Museum, Berlin; John Michael Kohler Arts Center, Wisconsin; Istanbul Modern. The public places where the artist’s sculptures are exhibited are as follows: Cuvry-Brunnen (Berlin), Bundesgartenschau (Berlin), Menschenlandschaften (Berlin), Frechen Museum (Düsseldorf), Bremen-Nord Zentralkrankenhaus (Bremen), Schule am Barbarossaplatz (Berlin), Schlosspark (Wolfsburg), Turkish Embassy Building (Japan), Altınpark (Ankara), Istanbul Stock Exchange (Istanbul), Aspat Art Park (Bodrum) and German Embassy Park (Ankara). The exhibition will be accompanied by a catalog with essays by Burcu Pelvanoğlu and Alev Özkazanç, a passage from the book “The Sexual Politics of Meat: A Feminist-Vegetarian Critical Theory” by Carol J. Adams, a conversation by Azade Köker and Naz Kocadere and a foreword by Naz Kocadere.


Azade Köker 
Zilberman Gallery, Istanbul

İstiklal Cad. No.163 Mısır Apartmanı K.3 D.10 & K.2 D.5, Beyoglu

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posted 06. Sep 2021

DANIEL CANOGAR | Reverberations

07. Aug 202109. Sep 2021
Aug 7 – Sep 9, 2021 **DANIEL CANOGAR | Reverberations** Galerie Kornfeld is pleased to present the solo exhibition "Reverberations" by Spanish-American artist Daniel Canogar. Data drives the world we live in today, from our homes to our offices and slowly creeping its way into every aspect of our sense of self and life, so it is no surprise that the works of Canogar raise a very pertinent question of our times: is this data-driven society for the better or worse? Combining a variety of recent projects, this exhibition explores the many sides of this virtual coin. As one enters into the colour field movements of Canogar's sculptures and screens, one loses sight of the world one finds oneself in. Is it the world I can touch and feel, or the other, the one which exists in this complex virtual space that has profoundly infiltrated our society? In fact, it is this tactile relationship between the “real” and “virtual” which Canogar is most interested in. Canogar's work thus captures how we interact with technology, and vice versa, how technology modifies our sense of the world around us and the social fabric of communication and connection. His background in photography has informed his present highly visual artworks, creating seemingly unescapable worlds of his own creation, driven and sourced from data from the “real” world. For Canogar the digital sphere is not a static space to explore, but an ever-changing field, from the physicality of VHS tapes, DVD's, smart phones and hard drives, to the more fluid landscape of the electronic realm. The works in the exhibition Reverberations explore themes such as the lifespan of consumer electronics and the evolution of digital information systems, real-time data of various natural phenomena, data streams as a representation of collective consciousness, and how data is consumed, processed and circulated online, amongst others. Daniel Canogar (*Madrid 1964) Spanish American artist received a M.A from New York University at the International Center of photography in 1990, however, moving into an area of the projected image and installation art. He has a permanent art installation with LED screens including Aqueous at The Sobrato Foundation (Mountain View, CA, 2019); Pulse, at Zachry Engineering Education Complex in Texas A&M University (College Station, TX, 2018), Tendril for Tampa International Airport (Tampa, FL, 2017) and Cannula, Xylem and Gust II at BBVA Bank Headquarters (Madrid, 2018). And has had solo shows at the American Museum of Natural History, Sundance Film Festival, Wilde Gallery, Max Estrella Gallery and Anita Beckers Gallery. The exhibition "Reverberations" is organised in collaboration with Galerie Anita Beckers, Frankfurt.
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posted 05. Sep 2021

Michele Ciacciofera - Sans commencement et sans fin (No beginning and no end)

19. May 202113. Sep 2021
Michele Ciacciofera Sans commencement et sans fin (No beginning and no end) May 19–September 13, 2021 Rochechouart Museum of Contemporary Art is delighted to welcome Michele Ciacciofera for an exhibition occupying the entire castle space, his first solo show to take place in a French museum. Michele Ciacciofera (b. 1969 in Sardinia) creates work that is graphic and sculptural, often deployed in extensive programmatic ensembles concerned with memory and archaeology, a sense of history and passing time. Sans commencement et sans fin (No beginning and no end) refers to the name of a collected edition of philosophical essays written by Michel de Montaigne throughout his life. In the present exhibition at Rochechouart, Michele Ciacciofera presents a compilation of more than 100 works made over the last ten years. Some of them are emblematic pieces, reactivated specially for this occasion, in particular his impressive Janas Code installation which featured in the 57th Venice Biennale in 2017. The works are displayed on all three floors of the museum accessed via the castle’s spiral staircase, sending visitors on a winding journey that fuses organic and inorganic artifacts, and mixes fragments with fossils, politics, writing and archival records. Michele Ciacciofera has organised the exhibition to set up a network of interconnecting resonances, each piece linked by overarching issues of knowledge and our relationship to the sands of time as they incessantly deposit new layers of the past. Emerging amongst forms and signs of ritual and magic are letters that evoke cuneiform writing and human figures suggestive of Mycenaean goddesses. Such profusion of historical references tends to compress the past until it begins to merge with the present, making us aware of an underlying collective unconscious, a common vision and way of thinking that mankind has always shared. Born in Nuoro, Sardegna in 1969, Ciacciofera moved to Palermo where he grew up and at university graduated in political science. Afterwards, he returned to Sardegna for an apprenticeship with the painter and architect Giovanni Antonio Sulas. He has since then lived and worked in Siracusa, Sicily since 1990, and in Paris since 2011 where he now lives and works. Ciacciofera has always been invested in the relationship between human existence and the natural world. Using a variety of artistic approaches, including installation, sculpture, painting, drawing, theater, video and sound, he freely combines media and methods in his exploration of nature, history, mythology and humanity. Conceptual artist at heart, he is concerned first and foremost with the subject, narrative and feeling that he wishes to convey, with the materials—drawn from a host of sources—following the concept. He constantly calls upon his background in political science, keen interest in environmentalism, and fixation with individual memory, folding in research, activism, and his own subjective reality to create poetic experiences. Recent major exhibitions of works by Michele Ciacciofera have included shows at the Museo Marino Marini (Florence), the 57th Venice Biennale, and at Documenta 14 (Athens & Kassel, Germany) in 2017.
Château de Rochechouart

Musée d'art contemporain de la Haute-Vienne - Château de Rochechouart
87600 Rochechouart

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posted 04. Sep 2021


04. Sep 202117. Jan 2022
JOAN MITCHELL Co-Organized by SFMOMA and the Baltimore Museum of Art, the Comprehensive Retrospective Includes Over 80 Distinguished Works Spanning the Remarkable Artist’s Career 04.09.2021 - 17.01.2022 SAN FRANCISCO, CA (February 1, 2021)—Joan Mitchell has long been hailed as a formidable creative force—a painter who attained critical acclaim and success in the male-dominated art circles of 1950s New York. She then spent nearly four decades in France creating distinctive, vibrant abstract paintings that draw on landscape, memory, poetry and music. With its world premiere at SFMOMA from September 4, 2021 through January 17, 2022, Joan Mitchell is a comprehensive retrospective featuring approximately 80 distinguished works. In addition to rarely seen early paintings that established the artist’s career, the exhibition includes colorful large-scale multi-panel masterpieces from her later years. SFMOMA’s presentation will include 10 paintings not traveling to other venues, several from the museum’s own holdings. These works demonstrate Mitchell’s ability to create powerful paintings in widely different scales and her propensity for using bold experimentation to find her way from one major body of work to the next. With suites of major paintings, sketchbooks and drawings as well as an illuminating selection of the artist’s letters and photographs, Joan Mitchell opens a new window into the richness and range of the artist’s practice and reveals the significance of her artistic achievement. Co-organized by SFMOMA and the Baltimore Museum of Art (BMA), the exhibition is grounded in more than two years of archival research and extensive firsthand review of Mitchell’s works conducted by co-curators Sarah Roberts, Andrew W. Mellon Curator and Head of Painting and Sculpture at SFMOMA, and Katy Siegel, BMA Senior Programming & Research Curator and Thaw Chair of Modern Art at Stony Brook University. After its presentation in San Francisco, Joan Mitchell will be on view at the BMA from March 6 through August 14, 2022. A version of the exhibition will open at the Fondation Louis Vuitton in Paris in fall 2022. “Mitchell’s glorious paintings radiate with the vitality, feeling and sweeping color we usually experience only in the natural world. On a grand scale, she contended with and remade the possibilities of abstraction, personal expression and landscape,” said Roberts. “After so many months of restriction due to the pandemic and the limitations of art online, Mitchell’s subtle surfaces and moving color will offer visitors a transporting visual experience and remind us of the irreplaceable and overwhelming power of seeing art in person.” Joan Mitchell explores the artist’s evolution as she sought to unify physical experience with the psychological and emotional. Her works are connected by their incredible evocations of feeling, and her canvases capture the athleticism of her physical process in addition to sensations sparked by music and poetry. A sense of place imbues Mitchell’s paintings, from remembered vistas of Chicago, New York, Paris and the Mediterranean coast, to the pastoral hills of Vétheuil, the village outside of Paris where the artist eventually made her home. The power of her approach can be seen in vibrant responses to the urban environment of New York City in paintings like The Bridge (1956) and Evenings on 73rd Street (1957), as well as rural French landscapes in paintings like South (1989), and also in works that engage with the legacy of Vincent van Gogh, such as No Rain (1976) and Sunflowers (1990–91). Co-curators Roberts and Siegel note in the exhibition catalogue, “For Mitchell, a painting with feeling embodied largeness of purpose: to encounter the world with honest emotion and sensation. Mitchell recognized this impulse as the driver of a grand tradition that included van Gogh, Paul Cézanne, Claude Monet, Franz Kline and Willem de Kooning; she both embraced that tradition and expanded its terms.” “Across her life, Mitchell experimented with how painting could embody physical experience and also the complexity of the inner self. Ultimately, she sought to get beyond the boundaries of that self to connect with the world: a poem, passage of music, a dog—even a tree. Her fearlessness in making both grand and small gestures resulted in works that inspire us to connect to our feelings and bodies, to nature and to other beings,” continued Siegel. “She challenges our ideas about great art. Mitchell was not simply ‘making it’ in an environment created and occupied by men, she was actively remaking painting and its possibilities. The exhibition and the book reconsider the art of the postwar era and the extended impact of feminism’s burgeoning possibilities in the 1970s and ‘80s—thinking through what it means to live a life with art at its center.” The exhibition highlights the way Mitchell experimented with color, light and gesture, resulting in a singular visual vocabulary that was decidedly personal and abstract, but also grounded in external reality. The scale of her works, the views they express and the materials she used were all impacted by places where she lived, worked, and visited and the people around her. Photographs of views that inspired Mitchell will be shown alongside her painterly responses, capturing the way she maintained a connection to the natural world and to everyday life, moving beyond the conventional definitions of both Abstract Expressionism and landscape painting. Sketchbooks, drawings, letters and other archival materials will shed further light on the artist’s process and perspective. Music and poetry were ever-present in Mitchell’s life and impacted the development of her artistic practice. Early on she committed herself to the visual arts, yet her love of poetry and music found form in her paintings and her personal and collaborative relationships with writers and musicians in both the U.S. and France played essential roles in her career. As her artistic style developed the open-ended, sometimes ambiguous, and often personal nature of lyrics, lines of poetry and musical compositions dovetailed with painting’s capacity to express what cannot be named or explained. Two multi-panel paintings, Ode to Joy (A Poem by Frank O’Hara) (1970–71) and La Vie en Rose (1979), demonstrate Mitchell’s passion for the arts across many disciplines and the way it propelled her practice. Lastly, the exhibition contextualizes the ways in which social dynamics shaped perceptions of and possibilities for Mitchell and her work. Throughout her life, the artist grappled with the conflict between the social roles prescribed by her gender and social status and her desire for true creative freedom. Eventually, the artist came to see herself as a “mauvaise herbe,” or weed. To her, dandelions, daisies, even sunflowers were weeds—plants that might be overlooked, seen as unruly or out of place according to convention, but perhaps beautiful, strong and persistent when seen by the right eyes. The transnational nature of Mitchell’s existence is yet another way she defies easy categorization. Over the years, both New York and Paris claimed her, and vividly different perceptions of her work in the U.S. and France developed. Joan Mitchell examines these diverging views and reconciles them into a cohesive portrait of a complex individual and the outstanding art she produced. ABOUT JOAN MITCHELL Joan Mitchell (1925–1992) was an American artist whose career spanned more than four decades in the U.S. and France. Best known for her large, abstract oils on canvas, Mitchell also created smaller paintings, as well as an extensive body of works on paper and prints. Born in Chicago and educated at the Art Institute of Chicago, Mitchell moved to New York in 1949. In 1955, she began splitting her time between Paris and New York, before moving permanently to France in 1959. In 1968, Mitchell moved from Paris to Vétheuil, a small village northwest of the city, while continuing to exhibit her work in Paris, New York and around the world. In Vétheuil, Mitchell began regularly hosting artists at various stages of their careers, providing space and support to develop their art. When Mitchell passed away in 1992, her will specified that a portion of her estate should be used to establish a foundation to directly support visual artists. CATALOGUE The exhibition is accompanied by a lavishly illustrated catalogue published by SFMOMA in association with Yale University Press that offers a sweeping scholarly account of Mitchell’s career and the transatlantic contexts that shaped her work as an artist based in the U.S. and France. In addition to chapter essays authored by co-curators Roberts and Siegel, in-depth essays by scholars Éric de Chassey, Jenni Quilter and Richard Shiff present new historical models for understanding Mitchell’s work in relation to mid-20th-century painting in Paris, poetry and 19th-century French Romanticism. Presenting groundbreaking research and a variety of perspectives on her art, life and connections to poetry and music, this unprecedented volume also includes artistic and literary responses to Mitchell’s work by writer Paul Auster, composer Gisèle Barreau, poet and essayist Eileen Myles, artist Joyce Pensato and painter David Reed in dialogue with conservator Jennifer Hickey. The first major scholarly publication on Mitchell in decades, this book is an essential reference for Mitchell’s admirers and those just discovering her work. The cloth-covered 10” x 11.5” publication comprises 384 pages with 350 color and black-and-white illustrations and four gatefolds. VENUES AND DATES San Francisco Museum of Modern Art (SFMOMA): September 4, 2021–January 17, 2022 The Baltimore Museum of Art (BMA): March 6–August 14, 2022 Fondation Louis Vuitton: Opening fall 2022 ORGANIZATION Joan Mitchell is co-organized by the San Francisco Museum of Modern Art and The Baltimore Museum of Art.


Joan Mitchell 
SFMOMA San Francisco Museum of Modern Art

SFMOMA | 151 Third Street
CA-94103-3159 San Francisco

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posted 03. Sep 2021


03. Sep 202129. Oct 2021
opening: 02. Sep 2021 07:00 pm
03.09.2021 – 29.10.2021 * [**virtuelle galerie - hier klicken**](https://artspaces.kunstmatrix.com/en/exhibition/7338411/salon-real-virtual-10-marko-zink-in-der-maschine) * **10# SALON: Marko Zink. IN DER MASCHINE** PREVIEW invited by viennacontemporary: DONNERSTAG, 02.09.2021, 19 – 21 Uhr ERÖFFNUNG: FREITAG, 3.9., ab 18 Uhr KAMINGESPRÄCHE Entlang der Ausstellung finden zwei Kamingespräche im Salon mit Marko Zink statt WO: galerie michaela stock, Schleifmühlgasse 18, 1040 Wien, www.galerie-stock.net ELFRIEDE JELINEK & MARKO ZINK Im Jahr 2004 erhielt Elfriede Jelinek den Literaturnobelpreis „für den musikalischen Fluss von Stimmen und Gegenstimmen in Romanen und Dramen, die mit einzigartiger sprachlicher Leidenschaft die Absurdität und zwingende Macht der sozialen Klischees enthüllen“. Ähnliche Stimmen lässt Marko Zink in seinen analogen Fotoserien anklingen. Aus diesem Grund hat Elfriede Jelinek für Marko Zink zwei Essays zu den Fotoserien „In der Maschine“ (2002-2006) und „Im Wald: tragödien“ (2008-2010) geschrieben und diese im hauseignen Studio für ihn auf Band gesprochen. 10# Salon: IN DER MASCHINE Die neue Ausstellung von Marko Zink wird am 3. September in der galerie michaela stock eröffnet. Die Ausstellung ist Teil der fortlaufenden Salonausstellungen SALON REAL / VIRTUAL. Bespielen vier ausgesuchte, analoge Fotografien den realen Raum der Galerie, nutzt Zink den virtuellen Salon für den Gesamtzyklus der Fotoserien „In der Maschine" und „Im Wald: tragödien". Diese werden dort mit den beiden Jelinek Texten inszeniert und kontextualisiert. DIE SZENERIE Für die Foto-Serie „In der Maschine" hat sich Marko Zink unerlaubt Zutritt in leerstehende Mietobjekte verschafft und sich in den Haushaltsgeräten und im Mobiliar der Wohnung versteckt. Diese heimliche Aktion findet ihre Übersetzung in den weiß und steril wirkenden Fotografien wieder. Die abgebildeten Maschinen und Einrichtungen spucken Körperteile des Künstlers aus. Oft schaut es aber auch so aus, als ob sie den Künstler verschluckten und die jeweilige, verharrende Gliedmaße im Kontrast mit der jeweiligen Maschine stünde. Jelinek beschreibt diesen Zustand: „Die Maschine sagt nichts weiter, sie ist ein ausführendes Organ, dem manchmal Menschenorgane irgendwo herausstehen, weil der Mensch nicht mehr ganz hineingegangen ist in das Gerät und die Organe nicht ganz in ihn, er ist teilweise draußen geblieben. Er musste zum Teil draußen bleiben. Um wenigstens vor der Tür seine Menschlichkeit zu retten?“. Es zeigt sich ein unstillbarer, vergeblicher Drang des Menschen sich anzupassen, oft handelt es sich um ein gezwungenes Hineinpassen in den vorgegebenen de-sozialen Raum. HAUPTMOTIV DES MONATS DER FOTOGRAFIE Die analogen Panoramafotografien „Im Wald: tragödien“ wurden bereits 2010 zum Hauptsujet des Monats der Fotografie in Wien gekürt. 2021 sind neue Werke mit der Serienunterschrift „Ich habe dir nie was versprochen“ hinzugekommen, und erneut thematisiert Zink das Weltuntergangsszenario und zelebriert mittels Zwitterwesen und vegetabilen Mehrdeutigkeiten eine erschreckende Zeitlosigkeit, aktueller denn je. Nach Jelinek:„Sind das Tiere? Nein, das sind wire, aber mit Einsprengsel von Tiere. Tiere ohne Machtphantasien, welche nur Menschen haben.“ Was die Fotoarbeiten von Marko Zink eint sind inszenierte, leere Räume und eine offensichtliche Vergänglichkeit von allem Existierenden. Die gezeigten Werke sind performativer und vergänglicher Natur, das Trägermaterial, der analoge Film wird vor der Belichtung gekocht und löst sich nach einiger Zeit ebenso auf. Dies ist nicht nur wichtiges künstlerisches Konzept Zinks, sondern auch seine einmalige Handschrift mit großem Wiedererkennungseffekt. WELTPREMIERE VINYLTONBILDPOSTKARTE ELFRIEDE JELINEK Für die Ausstellung IN DER MASCHINE wurde eine Vinyltonbildpostkarte von Vinylograph Wien produziert. Diese rechteckige Schallplatte, die auch als Postkarte verschickt werden kann, zeigt als Cover eine Maschinenarbeit von Marko Zink. Auf dem Vinyl selbst - und dies ist eine Weltpremiere, hört man die Literaturnobelpreisträgerin den Text für Marko Zink vortragen. Diese Vinyltonbildpostkarte wird in einer streng limitierten Edition mit einer signierten Fotografie Zinks erhältlich sein. Marko Zink hat für den virtuellen Ausstellungsraum der galerie michaela stock ein Video mit dieser Vinyltonbildpostkarte im Schauspielhauses Graz inszeniert. Ein einsamer Plattenspieler steht auf der Bühne und auf ihm dreht sich Jelineks Schallplatte. Der Zuschauerraum ist leer, die Bühne ebenso, statt menschlicher Akteure betritt eine Maschine die Bühne. Im Oktober wird ein neues Stück von Jelinek im Grazer Schauspielhaus Premiere haben, das Video Zinks wird zeitgleich Vorort präsentiert.

artists & participants

Elfriede Jelinek,  Marko Zink 
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posted 02. Sep 2021

Wir leben auf einem Stern

02. Sep 202119. Sep 2021
opening: 01. Sep 2021 07:00 pm
**Einladung zur Verleihung des Jury-, Publikums- und Zollhafen-Preises** Donnerstag, 16. September, 19 Uhr Alle Besucherinnen der Ausstellung sind herzlich eingeladen, bis zum 16. September um 18 Uhr ihre persönliche Favoritin der Ausstellung zu benennen. Dank der Prof. Dr. Gustav Blanke und Hilde Blanke-Stiftung und der Zollhafen Mainz GmbH & Co. KG können an diesem Tag um 19 Uhr zwei Jurypreise, ein Publikumspreis sowie der Zollhafen-Preis verliehen werden. Mitglieder der Jury sind Elke Gruhn (Direktorin Nassauischer Kunstverein Wiesbaden), Christin Müller (Kuratorin basis e.V. Ausstellungs- und Produktionsplattform Frankfurt) und Eike Walkenhorst (Kurator Artist-in-Residence Max-Planck-Institut für empirische Forschung Frankfurt). Die Preisverleihung wird gestaltet durch Prof. Dr. Gustav Blanke, Stefanie Böttcher (Direktorin Kunsthalle Mainz), Lina Louisa Krämer (Kuratorin der Ausstellung), Dr. Martin Henatsch (Rektor Kunsthochschule Mainz) und Dr. Rolf-Jürgen Renard (Freunde der Universität Mainz). * **Veranstaltungstipps zur Ausstellung** In der aktuellen Ausstellung Wir leben auf einem Stern findet der intensive Austausch zwischen der Kunsthochschule Mainz und der Kunsthalle Mainz mit insgesamt 20 künstlerischen Positionen aktueller und ehemaliger Studierender der Kunsthochschule Mainz einen vielstimmigen Ausdruck. Ausstellungsbegleitend bietet die Kunsthalle Mainz verschiedene Veranstaltungen an: - Diesen Mittwoch den 08/09 um 18 Uhr spricht Lina Louisa Krämer, Kuratorin der Kunsthalle Mainz, in einem Künstlerinnengespräch mit Theresa Lawrenz und Jule Martin. Die Kosten sind im Eintritt enthalten. - Weiter geht es am Mittwoch den 08/09 um 19 Uhr mit einem Kurzfilmabend. Es werden ausgewählte Werke von Absolvent*innen der Universität der Kunst in Tokio und Prof. Koji Yamamura gezeigt. Sie setzen sich in ihren Videoarbeiten mit der Realität in Japan zehn Jahre nach dem Tohoku-Erdbeben und dem Tsunami auseinander. Kuratiert wird der Abend von Yumi Machiguchi. Für Mainzer Studierende ist der Eintritt kostenlos. - Zur aktuellen Ausstellung Wir leben auf einem Stern bietet die Kunsthalle Mainz in Kooperation mit der Sparkasse Mainz erneut einen Heute FREItag an. Am Sonntag den 12/09 von 14 bis 18 Uhr sind Eintritt sowie Besuch von Führungen und Kunstvermittlungsprogramm für alle Besucher*innen kostenfrei: 14 Uhr Familienrundgang und Mitmach-Aktion für Klein und Groß 15 Uhr Rundgang 16 Uhr Familienrundgang und Mitmach-Aktion für Klein und Groß 17 Uhr Rundgang Im Anschluss an die Familienrundgänge bietet Kara Hondong, teilnehmende Künstlerin der Ausstellung, Kurzworkshops für Kinder an. Eine Anmeldung bis zum Freitag, 10/09 unter 06131-126936 oder über mail@kunsthalle-mainz.de ist erforderlich. * **Ausstellung Wir leben auf einem Stern ** 02.09.2021 - 19.09.2021 Ausstellungseröffnung: Mi 01/09/21, 19 Uhr mit musikalischem Beitrag von Sheebaba Presserundgang: Mi 01/09/21 11 Uhr Verleihung Jury- und Publikumspreis: Do 16/09/21 19 Uhr Fortsetzung folgt! hieß es im Frühjahr 2020, als wir mit Wir leben auf einem Stern. Intro einen ersten Einblick in ein bereits geplantes Ausstellungsprojekt zeigten. Aus einem beständigen intensiven Austausch mit der Kunsthochschule Mainz erwuchs die Idee zu einer Kooperation, die in der Gruppenausstellung Wir leben auf einem Stern einen vielstimmigen Ausdruck finden sollte. Werke von insgesamt 21 ehemaligen und aktuellen Studierenden aller Fachklassen der Kunsthochschule Mainz, quer durch alle Medien und z.T. ortsbezogen, sollten in den Räumen der Kunsthalle Mainz präsentiert werden und konnten dann aus bekannten Gründen nicht gezeigt werden. Dennoch wurden aber im Frühjahr 2020 einzelne Werke von sechs der eingeladenen Künstlerinnen in situ vorbereitet, die in der Intro-Ausstellung zu sehen waren gemeinsam mit Videobeiträgen aller eingeladenen Künstler*innen. Deren Weiterentwicklung, die sich z.B. in der Wiederverwendung des Materials oder der Positionierung innerhalb der Ausstellung zeigt und auch alle anderen Arbeiten können nun endlich in vollem Umfang gezeigt werden in der Gruppenausstellung, die im September 2021 Eröffnung feiert. Multimedial beschäftigen sich die eingeladenen Künstler*innen mit unserer Gegenwart, mit Veränderungen, Zerfall und Wiederaufbau. Welche Parameter sind konstitutiv für einen Raum, in dem wir uns nicht nur bewegen, sondern auch begegnen können? So ist es nicht verwunderlich, dass die Ausstellung auch den Außenraum der Kunsthalle mit bespielt und so einen ersten Blick in das, was im Inneren geschieht, preisgibt. Die Institution Kunsthochschule kann als Mikrokosmos gelesen werden, aber keinesfalls als einen solchen, der sich seiner Umwelt gegenüber abschirmt. Vielmehr kann man die Kunsthochschule als einen Ort verstehen, der einen Laborcharakter aufweist, der Diskussionen über das aktuelle Weltgeschehen explizit in sich aufnimmt, Experimente und Raum für Überlegungen über die Welt zulässt, die sich nicht zuletzt in Kollaborationen wie dem Ausstellungsvorhaben in der Kunsthalle Mainz ausdrücken. Zum anderen kommt dem Stern als typografisches Symbol in der deutschen Sprache eine besondere Rolle zu: Als Gendersternchen wird er für eine geschlechtergerechte Sprache eingesetzt – als Verweis auf alle sozialen Geschlechter, die sich außerhalb von weiblich und männlich gelesen definieren. Auch hier lässt sich wieder eine Parallele zur Institution Kunsthochschule als (Schutz- )Raum ziehen, in dem sich Künstlerinnen mit sich selbst auseinandersetzten können, der ihnen die Möglichkeit bietet, neue Identitäten, Lesarten über ein binäres System hinaus, über ihre künstlerische Praxis zu erkunden. Wir leben auf einem Stern ist eine Einladung, den Kosmos Kunsthochschule zu entern und am Ende festzustellen, dass in der Kunst nicht nur gegenwärtige Diskurse aufgegriffen und verhandelt werden, sondern Kunst auch einen Raum bietet für Utopien. Solche schaffte einst die norwegische Künstlerin Hannah Ryggen, deren Arbeit der Titel der Ausstellung entlehnt wurde. Denn ihre zeitaktuellen Darstellungen wurden immer auch von einem Ausblick auf das Kommende begleitet. Wir leben auf einem Stern wird kuratiert von Lina Louisa Krämer, Kuratorin der Kunsthalle Mainz. Alle Bersucherinnen sind herzlich eingeladen, bis zum 16. September ihren persönlichen Favoritin der Ausstellung zu benennen. Dank der Prof. Dr. Gustav Blanke und Hilde Blanke-Stiftung können am 16. September um 19 Uhr zwei Jurypreise und ein Publikumspreis verliehen werden. Die Ausstellung wird unterstützt durch die Kunsthochschule Mainz, die Freunde der Johannes Gutenberg-Universität Mainz und den AStA der Johannes Gutenberg-Universität Mainz.
Kunsthalle Mainz

KUNSTHALLE MAINZ | Am Zollhafen 3–5
55118 Mainz

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posted 01. Sep 2021

Slow Life. Radical Practices of the Everyday

14. Jul 202105. Sep 2021
14.07.2021 - 05.09.2021 **Slow Life. Radical Practices of the Everyday** The international group exhibition Slow Life. Radical Practices of the Everyday would have opened in the spring of 2020 if the first wave of the epidemic had not changed our life. Now, it is a great pleasure for us to be able to realize the exhibition a year later. This is a group exhibition with an international scope, a commitment that reflects on today’s pressing global issues. The current logic of our world, the existing social & economic system and the market-consumer culture have caused serious environmental problems. The approach they are based upon is in crisis, and current practices cannot provide real solutions to excessive waste production and overconsumption, and to keep the exploitation of natural resources under control. The slow approach represents a need to rethink existing structures and reorganize established practices in the fields of society, economy and everyday life alike. Its essence can be best expressed by consciousness and a critical attitude, which bring forth more and more possible alternatives, from permaculture farming to zero-waste household, from voluntary simplicity to the concept of a no-growth economy. The beginnings of the Slow Revolution date back to the 1980s, to the protest against fast-food restaurants, which drew attention to the importance of healthy, quality food from local source. Carlo Petrini’s gastronomic initiative has expanded into a global movement over the decades, spanning many areas from work to travel and from design to media consumption. However, the exhibition does not focus on the ‘slow living’ movements so popular today, some of which limit their activities to offering new products and services for sale. Rather, it presents alternative practices, everyday “revolutions”, gentle or even radical approaches that challenge the existing growth- and profit-oriented system, show a way out of the consumption spiral, or represent an attitude rooted in the experience of the moment instead of a busy life-style. The broad spectrum of genres on display includes artworks based on critical thinking, while others offer utopic models for future challenges, or encourage us to change our art consumption habits, as well as the clichés of perception and reception in connection with art. The aim of the exhibition is to highlight the environmental impacts and exploitative practices that have led to the current global environmental, economic and social problems. Our other main objective is to provide a broader platform for artistic positions thatemphasize sustainability and offer alternative lifestyles. During the exhibition, a number of events will take place within the museum’s premises and outside the city limits, with the participation of artists, in the form of participatory, knowledge-sharing programs, which can be found on the museum’s website and social media platforms. The exhibition is accompanied by a bilingual Hungarian-English digital catalogue. DOWNLOAD HERE. Exhibiting artists BARTHA Gabó, BENCZÚR Emese, Anca BENERA & Arnold ESTEFÁN, Ursula BIEMANN & Paulo TAVARES, ERDEI Krisztina, Manfred ERJAUTZ, ex-artists' collective (KASZÁS Tamás & LÓRÁNT Anikó), HORVÁTH Gideon, Oto HUDEC, KASZÁS Tamás, KORONCZI Endre, LAKNER Antal, Diana LELONEK, Petra MAITZ, MÁTYÁSI Péter, Oliver RESSLER, SCHULLER Judit Flóra, SÜVEGES Rita, SZABÓ Eszter Ágnes, Lois WEINBERGER, Syporca WHANDAL, ZILAHI Anna Curators Petra Csizek, Jan Elantkowski, József Készman, Zsuzska Petró, Viktória Popovics, Krisztina Üveges
Ludwig Museum – Museum of Contemporary Art, Budapest

LUDWIG MUSEUM | Komor Marcell u. 1
H-1095 Budapest

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