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Rolf Julius (né en 1939 à Wilhelmshaven - Allemagne) découvre la musique de la Monte Young à la radio en 1975. Il pratique alors, après une formation dans les écoles d'art de Brême et de Berlin, une photographie conceptuelle, séries de prises de vues de détails d'architecture comme une digue par exemple. La découverte de cette musique le conduit à introduire des sons dans ses dispositifs visuels, et ceux-ci remplacent complètement la photographie au début des années quatre- vingt. L’artiste réalise alors des installations pour lesquelles il dispose dans l'espace les éléments qui lui permettent de diffuser le son, leur donnant alors aussi une dimension visuelle. Il s'approprie le son comme matière et agit sur les enceintes elles-mêmes, à l'aide de pigments ou de sables. Substituer le son à l'image permet, selon Rolf Julius, de réduire l'importance du sens de la vue, d'équilibrer les perceptions sensibles et donc d'élargir le spectre de l'expérience. Il développe des jeux de correspondances entre ce qu'il nomme ses « petites musiques » et les éléments techniques qui lui permettent de diffuser le son. La fragilité de celui-ci est accentuée par la petitesse des enceintes qu'il utilise. De la même manière, les installations intègrent des éléments ou matériaux qui ont pu être à l'origine des enregistrements (eau, pierres, terre, verre) mais aussi de nombreux contenants (soucoupes, bols, pots, ou ici wok) qui jouent le rôle de diffuseurs. Tous ces éléments interagissent dans d'infinis jeux de réverbérations : le son dans la pierre (Stone Field, 1998), dans l'eau (Why Pink ?, 2001), au travers des pigments et du métal (Wok, Wok, 2001) ou encore le verre (Corner Piece, 2000-2001). Mais les résonances se produisent aussi dans les contaminations d'une oeuvre à l'autre et l'espace sonore qu'elles créent dans le lieu.

Certains sons disparaissent derrière d'autres avant de surgir à nouveau, au gré des déplacements du visiteur. Le travail sonore récent de Rolf Julius s'approche de la composition musicale, comme en témoigne Why Pink (2001). Percussions et vibrations se mêlent en un ensemble plus contruit.

Cette exposition témoigne de l'évolution récente de l'oeuvre de Rolf Julius qui dit « boucler la boucle ». Parti d'une formation dans le champ des arts visuels, il a cherché dans le son d'autres possibilités pour la sculpture. Aujourd'hui, il donne une place croissante à l'image, comme le montre la réintroduction des photographies (dans Why Pink ? ou encore 4 Stones, 2001). Il compose visuellement à l’aide des objets ou de leur représentation. Il crée ainsi un ensemble à partir d’éléments visuels produits par différentes sources : les objets eux-mêmes ou leur photographie sous plexiglas. Il procède de la même manière avec les différents éléments sonores, entre les sons naturels enregistrés et les sons créés. Il s'approprie également les nouveaux moyens de production de l'image : avec Dust (1998/2001) les photographies de l'oeuvre de la collection du Frac Bourgogne, Straub Dust, sont retravaillées au moyen de l'informatique. Large Piano Piece (2001), ensemble d'impressions à jet d'encre sur papier, reprend les formes du cercle et du carré omniprésentes dans les installations. La vibration du son est cette fois fixée dans la matière elle-même, révélant les liens qu'entretient cet artiste avec la culture traditionnelle japonaise. Rolf Julius crée des espaces sensibles qui invitent à une expérience de perception élargie .

Rolf Julius (born in 1939 in Wilhelmshaven, Germany) discovers the music of Monte Young on the radio in 1975. After training at the art schools of Brême and Berlin, he develops a style of conceptual photography, consisting of series of points of view of architectural details, such as dams, for example. The discovery of this type of music drives him to introduce sound into the visual aspect of his work; this innovation completely replaces photography in the early 1980's. The artist then carries out installations where he lays out the components in the space in a way that permits him to diffuse sound, which provides a visual dimension as well. He adapts the sound as a kind of material, and acts on the enclosures themselves with the help of pigments or sand. According to Rolf Julius, the substitution of sound for image permits a reduction in the importance of the sense of sight, and works to balance the senses in order to broaden the spectrum of the experience. He develops games of correspondence between what he names his "little music", and the technical elements that permit him to diffuse the sound. The fragility of this balance is accentuated by the small size of the enclosures that he uses. In the same manner, the installations integrate elements or materials that could have originally been recordings (water, stones, earth, glass), but also numerous containers (saucers, bowls, pots, or here, woks) that act as diffusers. All these different elements interact in infinite reverberations: the sound in stone (Stone Field, 1998), in water (Why Pink?, 2001), across pigments and metal (Wok, Wok, 2001), or even glass (Corner Piece, 2000- 2001). The resonances also come about in the contaminations from one work to another and in the resounding space that they create in the location of the work. Certain sounds disappear behind others before rising up again, according to the movements of the visitor. The recent acoustic work of Rolf Julius is practically a musical composition, such as that displayed in Why Pink (2001). Both percussion and vibration blend together in a smooth ensemble. This exhibition displays the recent evolution of the work of Rolf Julius who says "fasten the buckle." From his training in the field of visual arts, he searched for other possibilities of sound for his sculpture. Today, he gives increasing space to the image, like showing the reintroduction of photographs (in Why Pink? or even 4 Stones, 2001). He composes visually with help from the objects or their representation. He also creates an ensemble from visual elements produced by different sources: the objects themselves or their photographs beneath Plexiglas. He proceeds in the same manner with the different sound elements, between the recorded natural sounds and the created sounds. He appropriates as well new means of image production: with Dust (1998/2001) the photographs of the work of the collection of the Frac Bourgogne, Straub Dust, are reworked by the use of a computer. Large Piano Piece (2001), an ensemble of impressions of splatters of ink on paper, recaptures the ever-present forms of the circle and the square in the installations. This time, the vibration of the sound is fixed within the material itself, revealing the link that this artist maintains with traditional Japanese culture. Rolf Julius creates observable spaces that form an experience of enlarged perception.

Claire Legrand translation: Julia Csikesz

Michael Ross (né en 1955 à Buffalo - Etats-Unis) réalise depuis 1991 des oeuvres de petites dimensions au moyen d'objets divers trouvés ou fabriqués par lui. Sa première sculpture s'intitule The Smallest Type of Architecture for the Body containing The Dust from My Bedroom, My Studio, My Living Room, My Dining Room, My Kitchen, and My Bathroom ( Le plus petit type d'architecture pour le corps contenant la poussière de ma chambre, mon atelier, mon salon, ma salle à manger, ma cuisine et ma salle de bain). Un dé à coudre est rempli de poussière d'où s'échappent cheveux et film plastique. Dans la petite taille du dé à coudre, conçu pour protéger un doigt et donc à la taille réelle de celuici, est conservé symboliquement l'ensemble de l'habitation de l'artiste. Cette mise en relation entre le tout petit et le très grand, le micro et le macro, est souvent établie dans les oeuvres ultérieures, comme dans l'oeuvre du Frac Bourgogne, The Birth of The Universe (1997). Un cube de bois de quatre centimètres de côté est surmonté d'un disque en métal dans lequel vient s'encastrer de la mousse plastique dont le centre est rempli de poussière. Chaque matériau symbolise le végétal, le minéral et l'organique comme le coeur d'un nouveau monde possible. Ces deux oeuvres initiales révèlent les procédés de cet artiste qui, à partir d'une idée, rassemble au gré de ses trouvailles les matériaux qui, une fois assemblés, lui permettront de la visualiser. Il s'agit la plupart du temps d'une image, nourrie à la fois par le titre et l'objet.

Michael Ross s'intéresse tout particulièrement à la littérature japonaise, en particulier à travers les ouvrages de l'écrivain Lafcadio Hearn qui a fait connaître, dans la seconde moitié du XIXème siècle, nombre de textes et de légendes d'Extrême Orient. Plusieurs oeuvres évoquent ces histoires, par exemple Mujina (The Faceless Goblin) raconte comme des fantômes sans nez, ni yeux, ni bou- che hantent certaines contrées isolées du Japon. Ces textes décrivent un monde où le passage entre le visible et l’invisible est très ténu, où les esprits, fantômes et morts apparaissent aux yeux des vivants. La réflexion sur l’art de Michael Ross pose ainsi la question de la place du visible dans l’oeuvre. Les oeuvres sont pour cela souvent constituées de matériaux blancs ou translucides ou encore de structures très fragiles, presque transparentes, qui se confondent avec le mur. La fonction originale des objets n'intéresse pas l'artiste et n'est pas intégrée dans la signification des oeuvres. Seul l’effet visuel, dans toute sa fragilité, compte.

Pour cette exposition, Michael Ross a choisi dix-huit sculptures parmi les plus récentes. Leur disposition sur un axe horizontal, à intervalles réguliers, privilégie l'unicité de chacune. Le visiteur est invité à découvrir chaque fois une nouvelle image, un nouvel univers. Leur présence modifie l'espace tout entier : en effet, par leur dimension réduite, elle n'ont aucun impact visuel dans le lieu, et peuvent quasiment disparaître. Le visiteur, s'il choisit de s'en approcher, est invité à observer avec attention chaque élément qui constitue l'oeuvre pour élucider son sens.

Les oeuvres sont la plupart des dispositifs qui se livrent comme des contenants, renfermant quelque secret. Loin de tout héroïsme artistique, ces oeuvres de poche sont conçues par l’artiste comme des sculptures portables. Pourtant elles restent fixées au mur et offrent une vue frontale. Le visiteur, face à l’immensité du mur blanc, projette son imaginaire sur ces petits objets à fonctionnement symbolique.

Michael Ross (born in 1955 in Buffalo, New York - United States) has produced since 1991 works of small dimension by using diverse objects found or created by him. His first sculpture, entitled The Smallest Type of Architecture for the Body containing The Dust from My Bedroom, My Studio, My Living Room, My Dining Room, My Kitchen, and My Bathroom. A thimble is filled with dust from which escapes hair and plastic film. In the small size of the thimble, which is designed to protect a finger and is therefore the real size of one, the entire home of the artist is symbolically preserved. This relationship created between the very small and the very large, the micro and the macro, is often established in later works, as in the work of the Frac Bourgogne, The Birth of the Universe (1997). A cube of wood, four centimetres on each side, is positioned over a metal disc in which is imbedded a circle of plastic foam, whose centre is filled with dust. Each material symbolizes the vegetable, the mineral, or the organic as the heart of a new conceivable world. These two initial works reveal the processes of this artist who, starting from an idea, gathers according to his findings materials that, once assembled, permit him to visualize this idea. It is mostly about the time of an image, nourished at the time by the title and the object. Michael Ross is interested particularly in Japanese literature, specifically the works of the author Lafcadio Hearn, who, in the second half of the nineteenth century, made known a number of texts and legends of the Far East. Many of his works evoke these stories, for example the story of Mujina, (The Faceless Goblin) tells of phantoms without noses, eyes or mouths that haunt certain isolated regions of Japan. These texts describe a world where the passage between the seen and the unseen is very tenuous, where spirits, phantoms and the dead appear before the eyes of the living. Reflection on the art of Michael Ross thus poses the question regarding the place of "the visible" in the work. The works are for this reason often constituted of materials that are white or glassy, or even very fragile structures, almost transparent, that blend in with the wall. The original function of the objects is not of interest to the artist and is not integrated into the overall significance of the works. In these works, only the visual effect, in all its frailty, is what matters.

For this exhibition, Michael Ross chose eighteen sculptures from among the most recent ones. Their arrangement on a horizontal axis at regular intervals enhances the uniqueness of each one. The visitor is invited to discover each time a new image, a new universe. Their presence modifies the entire space; in effect, by their reduced dimension, it has no visual impact on the location, and can partially disappear. The visitor, if he chooses to approach it, is invited to observe with attention each element that constitutes the work to distinguish the significance of the work from the others.

The works are a major part of the apparatuses that act as containers, holding some secret. Far from any artistic heroism, these pocket-sized works are conceived by the artist as portable sculptures. However, they stay fixed to the wall and offer a frontal view. The visitor, facing the immensity of a white wall, projects his imagination on these small objects with a symbolic functioning.

Claire Legrand translation: Julia Csikesz

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Rolf Julius / Michael Ross