daily recommended exhibitions

posted 27. Apr 2017

Seth Price - Social Synthetic

15. Apr 201703. Sep 2017
In 2017, the Stedelijk Museum presents the first survey of the American artist Seth Price. The show is a comprehensive overview of his artistic career so far, encompassing more than 140 works made since 2000, including sculpture, installation, 16mm film, photography, drawing, painting, video, clothing and textiles, web design, music and sound, and poetry. Price will be exhibiting a number of new works. Seth Price holds a unique place in contemporary art. Rather than settle into one medium or style he has repeatedly pushed into new territory. His innovations, interests and themes have been widely influential on his own generation and younger artists, due partly to his approach to digital manipulation and cultural flux, in which a deep kinship with technology meets skepticism towards these advances. Novelist Rachel Kushner has called Price’s work “vision so accurate it becomes fiction.” Beatrix Ruf, director of the Stedelijk Museum observes: “Seth Price is a key figure in addressing technology and artistic authorship. His work traces an important art historical shift from the concept of collage, where chance played a major role and the image was constructed of multiple layers, to the concept of a unified image, which envelops us in an endless, undifferentiated, digital stream.” Themes Price’s exhibition at the Stedelijk Museum offers an unflinching portrait of contemporary, mediated Western life. A key theme in Price’s work is the self under technological pressure. This is often expressed in terms of the ‘skins’ of surface, packaging, and wrapping: a photographic study of a person’s skin obtained through the technologies Google employs for mapping; a vacuum-formed plastic relief presenting a body part stranded in plastic; a large wall sculpture depicting the negative space between two people engaged in intimate action, greatly enlarged from a tiny internet jpeg. Materiality Materiality is the leitmotiv that runs throughout the exhibition. Price uses his materials not simply for aesthetic reasons but for their sociological and historical resonances. The Vintage Bomber (2005-2008) wall reliefs were produced by forcing heated polystyrene over the cast of a bomber jacket to yield an empty shell that is both 3D icon and 2D image; while they may initially seem abstract, Price here considers the way a utilitarian object invented by the military becomes embraced and reworked, first by repeated waves of 20th century subcultures, finally by the global fashion industry. For Price, plastic here holds many cultural and symbolic references: to the Postwar North American and European belief in progress, to the packaging industry and the distribution of consumer goods, and to the elasticity of the virtually endless possibilities inherent in digital manipulation. Beyond the gallery In his sculptures, films, and writings, Price has also been a prominent and early exponent of an art that depends on interlinked webs of works, media, and references, and which has come to be called ‘networked art.’ To disseminate his work, he has always opted for a miscellany of networks beyond the gallery: the free circulation of music, writing, and video, or the sale of clothes and books outside the art world. Price is also one of the foremost and best-read artist writers of our time, and his publications and essays enjoys cult status among artists, designers, and thinkers. His books include Dispersion (2002), a prophetic and almost instantly canonical essay on digital culture; How to Disappear in America (2008), a manipulated assemblage of found texts about vanishing from contemporary life; and the 2015 autofictional novel Fuck Seth Price. The exhibition is organized by the Stedelijk in collaboration with the Museum Brandhorst, and is curated by Stedelijk Museum director Beatrix Ruf and Collection Brandhorst director Achim Hochdörfer, in close collaboration with the artist. From Amsterdam the exhibition will travel to Munich. About the artist Seth Price (1973, Palestine) studied literature and political science in the United States, and moved slowly into an art world career by way of experimental film and video. He staged his first solo art exhibition in 2004. His work has been exhibited at the Whitney Biennial (2008), the Biennale di Venezia (2010,) and dOCUMENTA 13 (2012). He has staged solo presentations at Kunsthalle Zurich (2008), the Kunstverein in Cologne (2008), and the MAMBo in Bologna (2009). He lives in New York City. Public Program A Public Program with lectures, screenings, and performance accompanies the exhibition. Publication A comprehensive monographic publication will be available, featuring contributions by Cory Arcangel, Ed Halter, Achim Hochdörfer, Branden Joseph, John Kelsey, Michelle Kuo, Rachel Kushner and Laura Owens, and Ariana Reines. credits Seth Price - Social Synthetic is curated in close collaboration with the artist by Stedelijk Museum director Beatrix Ruf, co-curated by Leontine Coelewij. The exhibition is organized in collaboration with the Museum Brandhorst in Munich. The Stedelijk Museum would like to thank Petzel Gallery, Capitain Petzel Gallery, Galerie Gisela Capitain and Galerie Chantal Crousel for their cooperation and support for the exhibition and publication. Seth Price - Social Synthetic is generously supported in part by the International Collector Circle.

artist

Seth Price 
Stedelijk Museum, Amsterdam

Museumplein 10
NL-1071 DJ Amsterdam

Netherlandsshow map
show more
posted 26. Apr 2017

51st ART COLOGNE 2017

26. Apr 201729. Apr 2017
opening: 25. Apr 2017 16:00
ART COLOGNE 2017 Vernissage: 25.04.2017, 16:00 bis 20:00 * Die Arbeitsgemeinschaft Deutscher Kunstvereine (ADKV) und die Art Cologne haben den **Kunstverein und Kunstkritiker des Jahres 2017** gewählt. Ausgezeichnet werden der Dortmunder Hartware MedienKunstVerein und der Berliner Kunstkritiker Kito Nedo. * April 2017, Köln Vorbericht ART COLOGNE 2017 Renommierte Neuzugänge und cutting-edge Art junger Galerien - ART COLOGNE 2017 mit erstklassigem internationalen Angebot Spitzenqualität auf allen Ebenen von der Klassischen Moderne über die zeitgenössische Kunst bis zu atelierfrischen Werken junger Künstler im neuen Angebotssegment „NEUMARKT“ bietet die bevorstehende ART COLOGNE. 200 weltweit renommierte Galerien zeigen Arbeiten von rund 2.000 Künstlern. Dabei verbucht die Kunstmesse bei ihrer 51. Ausgabe einen erneuten Zugewinn an Internationalität. Die „Blue-Chip“-Galerien wie David Zwirner, Hauser & Wirth und erstmalig Gagosian reisen aus den USA an. Aus Hongkong kommt Pearl Lam, aus Los Angeles David Kordansky und aus London WHITE CUBE. Aber auch Galerien aus Frankreich, Dänemark, Finnland, Ungarn und zahlreichen weiteren Ländern sind vertreten. Zu den „Global Playern“ der Kunstszene Szene gehören außerdem Thaddeus Ropac (Salzburg/Paris), Michael Werner (Berlin/Köln/New York/London), SprüthMagers (Berlin/London/Los Angeles), Karsten Greve (Köln/Paris, St. Moritz) Max Hetzler (Berlin/Paris), Perrotin (Pareis,/New York/Hong Kong), Daniel Templon (Paris/Brüssel) und andere. Für ein hochkarätiges Angebot im Bereich der klassischen Moderne stehen die Galerien Thomas (München), Thomas Salis art & design (Salzburg), Le Minotaure (Paris), von Vertes (Zürich), Ben Brown Fine Arts (London/Hongkong), Thole Rotermund (Hamburg), Ludorff (Düsseldorf), Borzo (Amsterdam) und Zlotowski (Paris). Erfolgreiche deutsche Junggaleristen wie Deborah Schamoni (München) und die Berliner Soy Capitan, Lars Friedrich, KM, Alexander Levy und Daniel Marzona treffen auf internationale Galerien wie Project Native Informant ‎(London), Antoine Levi (Paris), ESSEX STREET (New York), Joseph Tang (Paris), Teminkova & Kasela (Tallin), LambdaLambdaLambda (Pristina), ‎Kai Matsumiya (New York), SARIEV Contemporary (Plovdiv). Halle 11.2 Zeitgenössische Kunst A arte Invernizzi (Mailand) inszeniert spannungsreiche Dialoge zwischen den Arbeiten von Francois Morellet und Nicola Carrino sowie zwischen Riccardo de Marchi, Francesco Candeloro und Günter Umberg – Künstler, deren gemeinsamer Nenner in der Verwendung unaufwendiger Materialien besteht. Die abc Gallery (Budapest) stellt ungarische Künstler wie den Farbfeldmaler Imre Bak und den Bildhauer Peter Szalay in den Mittelpunkt. Auch die Galerie Anhava (Helsinki) konzentriert sich auf einheimische Künstler wie die Videokünstlerin und Fotografin Sally Tykäane, die in Nordeuropa hoch angesehene Malerin Marika Mäkelä und die Bildhauerin Anne Koskinen. Messedebütant Artelier Contemporary (Graz) stellt unter anderen Fred Wilsons sechsteilige Serie von Siebdrucken „When Europe slept“ vor. Die Jürgen Becker Galerie (Hamburg) hat einen Schwerpunkt auf Zeichnungen der 1970er Jahre etwa von Robert Tuttle und Fred Sandback und Arbeiten von Dike Blair. Bo Bjerggard (Kopenhagen) rückt mit Per Kirkeby Dänemarks berühmtesten zeitgenössischen Maler in den Mittelpunkt. BLAIN I SOUTHERN (Berlin/London) bringt unter anderem Malerei von Amy Feldman mit nach Köln. Niels Borch Jensen (Berlin/Kopenhagen) präsentiert den amerikanischen Künstler Stanley Whitney, der eigens für den Messeauftritt acht Radierungen und eine Reihe großformatiger farbiger Monotypien geschaffen hat. Thomas Brambilla Gallery (Bergamo) konfrontiert Skulpturen von Edouardo Piermattei und Lydia Benglis mit Gemälden von Marco Cingolani und Erik Saglia. Daniel Buchholz (Köln/Berlin) wird eine Installation von Anne Imhof zeigen. Die Galerie Gisela Capitain (Köln) kündigt Werke von Zoe Leonhard für ihren Messeauftritt an. Die Charim Galerie Wien (Wien) stellt die österreichische Fotografin und Videokünstlerin Dorit Margreiter in den Mittelpunkt, in deren Schaffen Architektur und Räume eine besondere Rolle spielen. Die Galerie Conrads (Düsseldorf) zeigt inszenierte Fotografien der renommierten australischen Künstlerin Rosemary Laing. Die Deweer Gallery (Otegem), die einen Schwerpunkt auf Skulpturen hat, bringt Werke von Tony Cragg und Stephan Balkenhol mit nach Köln. Atelierfrische Gemälde von Tim Eitel, Martin Eder und Titus Schade offeriert die Galerie Eigen + Art (Berlin/Leipzig), außerdem eine neue Bronzeskulptur von Stella Hamberg. Die Konrad Fischer Galerie (Düsseldorf/Berlin) wird auf ihrem Stand fotografische Positionen wie Bernd und Hilla Becher und Thomas Ruff mit der Bildhauerin Alice Channer zusammenbringen. Die großen Namen der Gegenwartskunst werden am Stand von Gagosian (New York) vertreten sein. Die Gallery on the Move (Tirana) zeigt unter anderem den Bildhauer Helidon Xixha. Die Galerie Laurent Godin (Paris) wird mit den Skulpturen des chinesischen Künstlers Wang Du Aufsehen erregen, denen Gemälde von Paul Czerlitzki gegenübergestellt werden. Die Galerie Bärbel Grässlin (Frankfurt) offeriert Werke von Tobias Rehberger und Andreas Slominski, außerdem Malerei von Herbert Brandl. Die Barbara Gross Galerie (München) hat mit Katharina Grosse, der Schweizerin Silvia Bächli und Kiki Smith etablierte zeitgenössische Positionen im Programm, die sie mit Werken der Türkin Ayse Erkmen und der Waliserin Bethan Huws konfrontiert. Die Galerie Haas (Zürich) vertritt mit Imi Knoebel und Martin Kippenberger wichtige Positionen der jüngeren Kunstgeschichte. Hauser & Wirth (London) zeigen Malerei und Zeichnung von Philippe Vandenberg und Skulpturen von Phyllida Barlow. Die Galerie Reinhard Hauff (Stuttgart) präsentiert mit Tim Berresheim, Josephine Meckseper, Joan Jonas und Thomas Locher sowie Stephen Willats einen Querschnitt durch ihr Programm. Die Galerie Jochen Hempel (Leipzig/Berlin) zeigt mit Andreas Johnen und Martin Kobe zwei jüngere Malerei-Positionen. Kadel Willborn (Düsseldorf) stellen eine neue Serie bemalter Fotografien von Helen Feifel vor sowie ihre Skulpturen, die auf gefundenen Keramiken basieren. Die Galerie Kleindienst (Leipzig) hat einen Schwerpunkt auf Malern der Leipziger Schule wie Rosa Loy, Henriette Grahnert und Christoph Ruckhäberle. KLEMMS´s (Berlin) stellt einen neuen Text-Bild-Zyklus von Sven Johne vor, der sich mit gesellschaftlichen Aussteigern beschäftigt. Die Editionsgalerie Helga Maria Klosterfeld (Hamburg/Berlin) wartet mit Jorinde Voigts neuer Serie „Emotional Spektrum A-Z“ auf, in der die Künstlerin auf 40 handcolorierten Blättern im Pigmentdruck das Spektrum menschlicher Gefühle und Emotionen verarbeitet hat. Die Galerie Klüser (München) bringt Werke von Lori Nix mit, die die von ihr erschaffenen detailreichen Miniaturwelten unter sorgfältigster Ausleuchtung fotografiert, außerdem Werke des Bildhauers und Objektkünstlers Olaf Metzel. David Kordansky (Los Angeles) zeigt die abstrakten Gemälde von Jon Pestoni. Eleni Koroneou Gallery (Athen) stellt unter anderen Werke des griechischen Künstlers Yorgos Sapountzis vor, dem häufig Monumente im öffentlichen Raum Anregungen für seine Werke liefern, außerdem abstrakte Gemälde von Helmut Middendorf. Die Galerie Krobath (Wien) bringt aktuelle Arbeiten von Julian Opie, unter anderem eine Aluminiumskulptur, mit nach Köln. Die Galerie Lahumière (Paris) zeigt Werke von Hans Jörg Glattfelder, der der konstruktiven Richtung zuzurechnen ist, und Jean-Francois Dubreuil, der bearbeitete Zeitungen in konstruktive Werke verwandelt. Die Galerie Christian Lethert (Köln) konfrontiert etablierte Positionen wie Lutz Fritsch und Imi Knoebel mit Henrik Eiben, der in Malereien, Zeichnungen und Skulpturen die Formensprache der Minimal Art erweitert. Die Levy Galerie (Hamburg) bringt Werke der Pop-Art-Künstler Mel Ramos und Allan Jones, der in diesem Jahr 80 Jahre alt wird, mit nach Köln, außerdem eine Assemblage von Daniel Spoerri. Die Galerie Löhrl (Mönchengladbach) stellt Anett Stuth vor, in deren fotografischen Arbeiten eigenes und fremdes Material zu collage-artigen Bildkonstruktionen verbunden wird. Die Galerie Vera Munro (Hamburg) zeigt Arbeiten von Janis Avontins, Silvia Bächli und Hanns Kunitzberger. Die Galerie Onrust (Amsterdam) zeigt die Künstler Ina van Zeyl und Benjamin Roth. Die Galerie Giorgio Persano (Turin) stellt mit Lawrence Weiner und Mario Merz Positionen der Minimal Art in den Mittelpunkt. Pi Artworks (Istanbul/London) präsentiert zum Debüt auf der ART COLOGNE eine Auswahl von Werken der türkisch-deutschen Künstlerin Yesim Akdeniz. Star am Stand von Priska Pasquer (Köln) ist der südafrikanische Fotograf Pieter Hugo, der bekannt ist für seine eindringlichen Porträts. Die Thomas Rehbein Galerie (Köln) stellt unter anderem den norwegischen Künstler Olav Christopher Jenssen vor, der in seinen farbenfrohen Werken verschiedene Stile und Spielarten der Malerei vereint. Die Galerie Nikolaus Ruzicska (Salzburg) richtet Brigitte Kowanz eine Soloshow aus, die Österreich in diesem Jahr zusammen mit Erwin Wurm auf der Biennale in Venedig vertritt. Die Galerie Brigitte Schenk (Köln) bringt u.a. Leinwandgemälde von Maria Zerres mit, die in ihren Bildern die Simultaneität von Ebenen und malerischen Ereignissen inszeniert; außerdem stellt sie den saudi-arabischen Künstler Abdulnasser Gharem vor, der durch hochpolitische Werke bekannt wurde. Anke Schmidt (Köln) zeigt unter anderem Werke des vielseitigen argentinischen Malers Fabian Marcaccio. Die Galerie Rüdiger Schöttle (München) wird mit Candida Höfers großformatiger Innenaufnahme der Hamburger Elbphilharmonie für Aufsehen sorgen. Die Gabriele Senn Galerie (Wien) zeigt bei ihrem erstmaligen Auftritt auf der ART COLOGNE Werke von Cäcilia Brown, Kathi Hofer, Michael Riedel und Oswald Oberhuber. Die Galerie Sies + Höke (Düsseldorf) wartet mit atelierfrischen Werken von Jonathan Meese und dem Künstler-Duo Fort auf. André Simoens Gallery (Knokke-Heist) vertritt Künstler wie Raoul de Kayser, Walter Leblanc, Richard Serra und Haim Steinbach. Michel Soskine (Madrid/New York) stellt bei seinem Messe-Debüt erstmalig die spanischen Künstler Angel Alonso, Josep Grau Garriga und Moises Villelia zusammen aus, die sich alle drei ungewöhnlicher Materialien bedienen. Die Walter Storms Galerie (München) offeriert ein Werk von Cordy Ryman, der sich im Grenzbereich zwischen Malerei und Skulptur bewegt und sich häufig banaler Materialien bedient. Die Galerie Elisabeth und Klaus Thoman (Wien) offeriert neue Gemälde von Herbert Brandl. Die Galerie Wilma Tolksdorf (Frankfurt/Main) würdigt das Schaffen von Katharina Sieverding, außerdem werden Werke von Nasan Tur, Johanna Diehl und Jörg Sasse gezeigt. Die Galerie Fons Welters (Amsterdam) bringt filigrane Skulpturen von Saskia Norr van Imhoff mit nach Köln. Michael Werner Kunsthandel (Köln) stellt Werke von A.R. Penck und Sigmar Polke in den Mittelpunkt. Ein Highlight ist Polkes Mischtechnik auf bedrucktem Stoff „Es war der Gärtner“ aus dem Jahr 1977. WHITE CUBE (London) offeriert Werke von Imi Knoebel, Christian Marclay und Tracey Emin. Die Galerie David Zwirner (New York) stellt den Kanadier Stan Douglas vor, der für seine hochkomplexen und technisch perfekten Film- und Videoarbeiten bekannt ist. Halle 11.1 Klassische Moderne & Nachkriegskunst Die auf amerikanische Pop-art spezialisierte Galerie Klaus Benden (Köln) bringt unter anderen Werke von Tom Wesselmann mit. Die Galerie Boisserée (Köln) präsentiert ausgewählte Arbeiten der spanischen Künstler Eduardo Chillida, Joan Miró und Antoni Tapiès im Zusammenspiel mit afrikanischen Skulpturen der Galerie Simonis (Düsseldorf). Darüber hinaus werden in zwei Sonderschauen Arbeiten auf Papier von Robert Motherwell und Jan Voss gezeigt. Borzo (Amsterdam) legt den Akzent auf niederländische Künstler wie Herman de Vries und Jan Schoonhhoven; zu den jüngeren Positionen gehört Ronald de Bloeme, der aus Leinwand und Lackfarbe riesige Kompositionen sampelt. Ben Brown Fine Arts (London) präsentiert Arbeiten des israelischen Fotografen Ori Gersht, der Landschaften im Spannungsfeld von Zerstörung und Schönheit zeigt. Die Galerie Derda (Berlin) legt den Fokus auf die Kunstströmungen der ersten Hälfte des 20. Jahrhunderts wie Bauhaus, Dada und Neue Sachlichkeit, die etwa durch Kurt Schwitters und Heinrich Hoerle und die Fotografen Ilse Bing, Hein Gorny und Albert Renger-Patzsch vertreten wird. Mit Hans Bischoffshausen, Karl Prantl und Arnulf Rainer stellen die Galerien Dierk Dierking (Zürich) und Thomas Salis (Salzburg) drei der markantesten Vertreter der österreichischen Nachkriegskunst auf ihrem Gemeinschaftsstand vor. Die Galerie Johannes Faber (Wien) konfrontiert Werke des deutschen Modefotografen Horst P. Horst mit experimentellen Fotografien des Österreichers Paul M. Schneggeburger. Mit Yousuf Karsh hat die Galerie außerdem Arbeiten eines der bedeutendsten Porträtfotografen des 20. Jahrhunderts im Programm. Die Galerie Klaus Gerrit Friese (Berlin) setzt mit Cornelius Völker und Karin Kneffel auf etablierte Malerei-Positionen. Die Galerie Henze & Ketterer (Witrach/Bern, Riehen/Basel) legt ihren diesjährigen Schwerpunkt auf Werke von Ernst Ludwig Kirchner und Markus Lüpertz. Außerdem wird ein Akzent auf der Kunst nach 1945 liegen, die einerseits durch abstrakte Werke von Bernard Schultze und Fritz Winter, andererseits durch figürliche Arbeiten von Georg Baselitz und George Grosz vertreten ist. Die Hosfelt Gallery (San Francisco) gibt ihr Messedebüt mit einer Soloshow der Künstlerin Jay Defeo, die wegen ihrer Vielseitigkeit als singuläre Erscheinung in der amerikanischen Nachkriegskunst gilt. Die Jenkins Johnson Gallery (San Francisco/New York) zeigt bei ihrem Messedebüt eine Soloshow der Künstlerin Aubrey Williams. Die Galerie Le Minotaure (Paris) stellt mit den Malern Frantisek Kupka und Auguste Herbin Pioniere der abstrakten Malerei in den Mittelpunkt. Die Galerie Ludorff (Düsseldorf), einer der führenden Messeteilnehmer im Bereich der Klassischen Moderne, trumpft mit Gabriele Münters Gemälde „Rootes Moos“ aus dem Jahr 1959 auf sowie einer Kreide-Zeichnung von August Macke, die eine Café-Szene in Tunesien zeigt. Die Galerie Maulberger (München) würdigt den 100. Geburtstag von Karl Fred Dahmen mit einer Sonderpräsentation; im Bereich der Zero-Kunst werden Werke von Piene, Mack und Uecker gezeigt. Außerdem werden Arbeiten aus den wichtigsten Werkphasen von Herbert Zangs präsentiert. Die Galerie Rieder (München) legt den Schwerpunkt auf Werke von Edouardo Chillida, Francisco Farreras Ricart, Pierre Soulages und Thomas Reifferscheidt. Thole Rotermund Kunsthandel (Hamburg), erstmalig auf der ART COLOGNE vertreten, setzt einen hochkarätigen Akzent mit Papierarbeiten des deutschen Expressionismus und der Klassischen Moderne. Eine Sonderschau ist dem Thema „Künstlerpostkarten“ gewidmet. Die Galerie Ruberl (Wien) wartet mit Werken von Oskar Kokoschka und Arnulf Rainer auf. Aurel Scheibler (Berlin) konfrontiert Norbert Krickes skulpturale Kompositionen mit den Gemälden von Ernst Wilhelm Nay. Die Galerie Thomas (München) hat mit August Mackes kleinformatigem Gemälde „Bacchus unter einem Baum“ eine rare Kostbarkeit im Programm, außerdem die Macke-Zeichnung „Liegende schlafende Frau“, für die seine Frau Elisabeth das Modell war. Die Galerie Valentien (Stuttgart) setzt bei ihrer Messepräsentation einen Schwerpunkt auf Volker Böhringer, der neben Otto Dix und George Grosz als wichtiger Vertreter zeitkritischer Kunst gelten kann. Seine Werke werden mit den Landschaften von Franz Lenk konfrontiert. Die Galerie von Vertes (Zürich) lockt mit Meisterwerken der klassischen Moderne, etwa von Willem de Kooning, Jean Dubuffet und Sam Francis, außerdem ist ein abstraktes Bild von Gerhard Richter aus dem Jahr 1978 im hochkarätigen Angebot. Halle 11.3 NEUMARKT und NEUMARKT COLLABORATIONS NEUMARKT Die Galerie Samy Abraham (Paris) hat für ihr Messedebüt Werke von Shila Khatami und Bruno Botella ausgewählt. Die Galerie BolteLang (Zürich) richtet Talisa Lallai eine Soloshow aus, die gefundenes Fotomaterial analog weiterverarbeitet; Choi & Lager (Köln) stellen den aufstrebenden britischen Newcomer Dale Lewis vor, der in großformatigen erzählerischen Gemälde eine individuelle Bildsprache entwickelt hat. Die Galerie Gisela Clement (Bonn) richtet der vielseitigen Amerikanerin Melissa Logan eine Soloshow aus und konzentriert sich dabei auf das malerische Werk. Die Galerie Conradi (Hamburg, Brüssel) zeigt Werke von Andrzej Steinbach, Yann-Vari Schubert und Philipp Gaisser, die in Fotoarbeiten und computergenerierten Kreidezeichnungen politische, soziale und kulturelle Fragestellungen verhandeln. DREI (Köln) konzentriert sich auf Werke von Cédric Eisenring und Olga Pedan. Lars Friedrich (Berlin) bringt Skulpturen von Jutta Zimmermann mit zu seinem Messedebüt. Ginerva Gambino (Köln) richtet Alex Wissel, einem Meisterschüler von Rosemarie Trockel, eine Soloshow aus, dessen Werk in jüngster zunehmende Beachtung gefunden hat. Lucas Hirsch (Düsseldorf) präsentiert eine Soloshow des Künstlerduos HC, zu dem sich Friedemann Heckel und Lukas Müller zusammengeschlossen haben. Die Ivan Gallery (Bukarest) würdigt in einer Solo-Show den rumänisch-britischen Zeichner, Bildhauer, Maler und Performance-Künstler Paul Neagu. The Journal Gallery (Brooklyn) richtet dem jungen Düsseldorfer Chris Succo eine Solo-Show aus. Die KM Galerie (Berlin) konzentriert sich auf eine Einzelpräsentation der Künstlerin Simone Gilges, die für den Messestand eine aus Landschaftsfotografie, Skulpturen, Stoff und gefundenen Objekten bestehende Gesamtinstallation kreiert. Die Galerie LamdaLamdaLamda (Pristina) zeigt eine Installation der in München lebenden Kosovarin Flaka Haliti. Alexander Levy (Berlin) konzentriert sich auf die Fotokünstler Sinta Werner und Colin Snapp, die sich beide mit der menschlichen Wahrnehmung unserer Umgebung befassen. Limoncello (London) richtet May Cornet eine Soloshow aus, die ihre Arbeit „Night Mail“ zeigen wird. Lyles & King (London) stellen Werke des amerikanischen Malers Chris Hood vor. Die Mier Gallery (Los Angeles) konzentriert sich auf die Aluminiumskulpturen von Anna Fasshauer und Malerei von Jan Ole Schiemann. PPC Philip Pflug Contemporary (Frankfurt/Main) stellt die Gemälde von Bettina von Armin in den Mittelpunkt, deren Maschinenmänner heute so visionär wirken wie zu ihrer Entstehungszeit in den frühen 1970er Jahren. Project Native Informant (London) präsentiert eine HD Videoinstallation des New Yorker Künstlerkollektivs DIS. Roberto Paradise (San Juan) richtet Caroline Wells Chandler eine Solo-Show aus, die plakative Figuren häkelt. Sariev Contemporary (Plovdiv) konzentriert sich auf bulgarische Künstler wie Pravdoliub Ivanov. Die Galerie Joseph Tang (Paris) stellt Werke der lettischen Künstlerin Daiga Grantina vor. Die Galerie Warhus Rittershaus (Köln) richtet dem Maler Andreas Breunig eine Soloshow aus. Kate Werble (New York) zeigt eine Installation des jungen New Yorkers Christopher Chiappa. NEUMARKT COLLABORATIONS Bernard Ceysson (Luxemburg/Paris/Genf) bringt Arbeiten der jungen Maler Jesse Willenbring und Russell Tyler auf dem Stand zusammen. Cosar HMT (Düsseldorf) konzentriert sich in Zusammenarbeit mit der Gallery Sophie van de Velde (Antwerpen) auf Sara Sizer, die mit chemischer Bleiche Farbe entfernt, die Bildhauerin Erika Hock, deren fiktive Möbelstücke zwischen Skulptur und Design changieren, und Germaine Kruip. Dittrich & Schlechtriem (Berlin) zeigen mit Julian Charrière und Dorian Gaudin zwei künstlerische Positionen, die beide postapokalyptische Szenarien kreieren. Konzeptkunst-Spezialistin Parisa Kind (Frankfurt/Main) präsentiert eine Zusammenarbeit zwischen den Künstlern Mike Bouchet und Paul McCarthy. Antoine Levi (Paris) hat sich für die Ausstellung der Werke von Francesco Gennari, Piotr Makowski und Aron Mehzion mit Daniel Marzona (Berlin) zusammengeschlossen. Alle drei Künstler verbindet die Leidenschaft für Wissenschaft und Philosophie. Max Mayer (Düsseldorf) kooperiert für eine Ausstellung mit Arbeiten von Jef Geys mit ESSEX STREET (New York). Aurel Scheibler (Berlin) hat sich für die Präsentation von Werken des früh verstorbenen David Robilliard mit dem Engländer Rob Tufnell zusammengetan. Sommer Contemporary Art (Tel Aviv) legt den Schwerpunkt auf die jungen israelischen Künstlerinnen Naama Arad und Lihi Turjeman, sein Kollege Guido Bauchdach (Berlin) stellt ihnen zwei deutsche Künstler, Tamina Amadyar und Philipp Modersohn, gegenüber. Martin van Zomeren (Amsterdam) präsentiert zwei konzeptuell arbeitende Fotografinnen: die Deutsche Alexandra Leykauf und die Niederländerin Katja Mater. * ART COLOGNE beauftragt Michael Riedel für großflächige Installation Erstmals Präsentation einer zeitgenössischen Position in der Messe-Eingangshalle Süd Vom 26. bis 29. April 2017 öffnet die ART COLOGNE der internationalen Kunstwelt ihre Tore. Als diesjähriges Highlight erwartet die Besucher im Eingangsbereich Süd eine Kunstinstallation der besonderen Art des deutschen Künstlers Michael Riedel. Mit der diesjährigen Ausstellung des Künstlers Michael Riedel in der Eingangshalle zeigt die ART COLOGNE anders als in den vergangenen Jahren keine kunsthistorische, sondern erstmals eine zeitgenössische Position. Die Grundlage des Kunstwerks bildet ein von Michael Riedel verfasster Text „L“, der die Zulassungssitzung zur Messe wiedergibt, in der über die Annahme oder Ablehnung der sich beworbenen Galerien zur ART COLOGNE entschieden wurde. Der knapp dreistündige Mitschnitt ergab ein 29-seitiges Dokument mit insgesamt 53.689 Zeichen, in dem 1.894-mal der Buchstabe L vorkommt. Mit der daraus entstandenen Installation "L", die eigens für die Messe entworfen wurde, präsentiert Riedel eine sachlich neue Sichtbarkeit, in dem er den Bereich nicht realisierter Möglichkeiten sichtbar macht. Die Installation "L" ist dabei sowohl von der Standarchitektur als auch von versteckten Aspekten hinter den Kulissen der ART COLOGNE inspiriert. Auf einer 350 Quadratmeter großen Bodenfläche und einem sich daraus auffaltenden Messestand in L-Form verwandelt Riedel die dem Kunstsystem entnommene Kommunikation in komplexe grafische Muster. „Wir freuen uns, das wir dieses besondere Projekt gemeinsam mit Michael Riedel realisieren können. Zukünftig möchten wir gern jedes Jahr einen aktuellen Künstler oder eine Künstlerin gewinnen, um den Eingangsbereich als Willkommenstor der ART COLOGNE zu gestalten. Ziel soll es sein, anstelle mehrerer großformatiger Projekte den Fokus auf ein starkes einzelnes Statement zu lenken“, erklärt Daniel Hug, Direktor der ART COLOGNE. Zusätzlich zur Zusammenarbeit mit der ART COLOGNE erscheint in Kooperation mit dem Distanz Verlag Riedels neueste Publikation „Muster des Kunstsystems [Wallpapers]“. Darin versammeln sich Muster, die beispielsweise im Palais de Tokyo (Paris), dem Sprengel Museum (Hannover), der „Kunste zu Text“-Ausstellung in der Schirn (Frankfurt M.) zu sehen waren und aktuell Einblicke in seine Architekturarbeiten wie der Fassadengestaltung des Museums der Moderne in Saarbrücken und der Deckengestaltung der Cornell Tech University in New York geben. Weitere Werke von Michael Riedel können bei der ART COLOGNE bei den Galerien von David Zwirner (New York, London) und Gabriele Senn (Wien) besichtigt werden. Darüber hinaus eröffnet die Kunsthalle Zürich am 19. Mai 2017 die Ausstellung „CV“ von Michael Riedel. * Die gesamte Ausstellerliste der ART COLOGNE 2017 im Überblick: Halle 11.2 Zeitgenössische Kunst A Arte Invernizzi (Mailand), acb (Budapest), Akinci (Amsterdam), Anhava (Helsinki), Artelier Contemporary (Graz), Bartha Contemporary (London), Jürgen Becker (Hamburg), Bo Bjerggaard (Kopenhagen), BLAIN I SOUTHERN (Berlin), Niels Borch Jensen (Berlin), Thomas Brambilla (Bergamo), Jean Brolly (Paris), Daniel Buchholz (Köln, Berlin), Luis Campana (Berlin), Gisela Capitain (Köln), Andrea Caratsch (St. Moritz), Charim Wien (Wien), Conrads (Düsseldorf), DEWEER (Otegem), Heinrich Ehrhardt (Madrid), EIGEN + ART (Berlin, Leipzig), Konrad Fischer (Düsseldorf), Gagosian (London, New York), Gallery on the Move (Tirana), Laurent Godin (Paris), Bärbel Grässlin (Frankfurt), Karsten Greve (Köln, Paris, St. Moritz), Barbara Gross (München), Haas (Zürich), Häusler Contemporary (Zürich, München), Hammelehle und Ahrens (Köln), Reinhard Hauff (Stuttgart), Hauser & Wirth (Zürich, London, New York, Los Angeles), Jochen Hempel (Leipzig), Max Hetzler (Berlin, Paris), Fred Jahn (München), Kadel Willborn (Düsseldorf), Kleindienst (Leipzig), KLEMM'S (Berlin), Helga Maria Klosterfelde (Berlin), Klüser (München), Sabine Knust (München), David Kordansky (Los Angeles), Christine König (Wien), KÖNIG (Berlin), Eleni Koroneou (Athen), Krobath Wien (Wien), Lange + Pult (Zürich), Gebr. Lehmann (Dresden), Christian Lethert (Köln), Löhrl (Mönchengladbach), , Linn Lühn (Düsseldorf), Marlborough Contemporary (London), Hans Mayer (Düsseldorf), Vera Munro (Hamburg), nächst St. Stephan (Wien), Nagel Draxler (Köln, Berlin), Neu (Berlin), Carolina Nitsch (New York), Nosbaum & Reding (Luxemburg), OMR (Mexico-Stadt), Onrust (Amsterdam), Paragon (London), PRISKA PASQUER (Köln), Pearl Lam (Hongkong, Shanghai, Singapur, ), Perrotin (Paris, New York, Hongkong, Seoul, Tokio), Giorgio Persano (Turin), Pi Artworks (London, Istanbul), Produzentengalerie Hamburg (Hamburg), Thomas Rehbein (Köln), Petra Rinck (Düsseldorf), Thaddaeus Ropac (Salzburg, Paris), Philipp von Rosen (Köln), Nicolaus Ruzicska (Salzburg), Brigitte Schenk (Köln), Anke Schmidt (Köln), SCHÖNEWALD (Düsseldorf), Rüdiger Schöttle (München), Gabriele Senn (Wien), Sies + Höke (Düsseldorf), Andre Simoens (Knokke), Slewe (Amsterdam), Michel Soskine (Madrid, New York), Sprüth Magers (Berlin, London, Los Angeles), Edition Staeck (Heidelberg), Walter Storms (München), Jacky Strenz (Frankfurt), Suzanne Tarasiève (Paris), Daniel Templon (Paris, Brüssel), Elisabeth & Klaus Thoman (Innsbruck, Wien), Wilma Tolksdorf (Frankfurt), VAN HORN (Düsseldorf), Fons Welters (Amsterdam), WENTRUP (Berlin), Michael Werner Kunsthandel (Köln, London, New York), WHITE CUBE (London, Hongkong), David Zwirner (New York, London). Halle 11.1 Klassische Moderne & Nachkriegskunst Beck & Eggeling (Düsseldorf), Klaus Benden (Köln), Boisserée (Köln), BORZO (Amsterdam), Ben Brown Fine Arts (London, Hongkong), Derda (Berlin), Dierking (Zürich), Johannes Faber (Wien), Fischer Kunsthandel & Edition (Berlin), Klaus Gerrit Friese (Berlin), Henze & Ketterer (Wichtrach / Bern), galerie edition & hoffmann (Friedberg), Heinz Holtmann (Köln), Hosfelt (San Francisco), Jenkins Johnson (San Francisco, New York), Koch (Hannover), Konzett (Wien), Lahumière (Paris), Le Minotaure (Paris), LEVY (Hamburg), Lorenzelli Arte (Mailand), Ludorff (Düsseldorf), Maulberger (München), Moderne (Silkeborg), Georg Nothelfer (Berlin), Rieder (München), Margarete Roeder (New York), Thole Rotermund (Hamburg), Ruberl (Wien), Thomas Salis art & design (Salzburg), Samuelis Baumgarte (Bielefeld), AUREL SCHEIBLER (Berlin), Schlichtenmaier (Grafenau), Michael Schultz (Berlin), Schwarzer (Düsseldorf), Simonis (Düsseldorf), Hans Strelow (Düsseldorf), Florian Sundheimer (München), Hollis Taggart (New York), Taguchi Fine Art (Tokio), Thomas (München), Utermann (Dortmund), Valentien (Stuttgart), von Vertes (Zürich), Axel Vervoordt (Antwerpen, Hongkong), Whitestone (Tokio, Hongkong), Zlotowski (Paris). Halle 11.3 NEUMARKT COLLABORATIONS Guido W. Baudach (Berlin), Bernhard (Zürich), Bernard Ceysson (Paris), Cosar HMT (Düsseldorf), Crone (Berlin), DITTRICH & SCHLECHTRIEM (Berlin), ESSEX STREET (New York), fiebach, minninger (Köln), Karin Guenther (Hamburg), Jan Kaps (Köln), Parisa Kind (Frankfurt), Antoine Levi (Paris), Lullin + Ferrari (Zürich), Daniel Marzona (Berlin), Max Mayer (Düsseldorf), Project Native Informant (London), Deborah Schamoni (München), AUREL SCHEIBLER (Berlin), Sommer Contemporary Art (Tel Aviv), Rob Tufnell (London, Köln), Sofie Van de Velde (Antwerpen), Zink (Seubersdorf), Martin van Zomeren (Amsterdam). Halle 11.3 NEUMARKT Aanant & Zoo (Berlin), Samy Abraham (Paris), Choi&Lager (Köln), CLAGES (Köln), Gisela Clement (Bonn), Conradi (Hamburg), DREI (Köln), EXILE (Berlin), Lars Friedrich (Berlin), Future (Berlin), Ginerva Gambino (Köln), Lucas Hirsch (Düsseldorf), Natalia Hug (Köln), Ivan (Bukarest), The Journal (New York), KM (Berlin), LambdaLambdaLambda (Pristina), Emanuel Layr (Wien), Alexander Levy (Berlin), Limoncello (London), Markus Lüttgen (Köln), Lyles & King (New York), Kai Matsumiya (New York), MIER (Los Angeles), Tobias Naehring (Leipzig), PPC Philipp Pflug Contemporary (Frankfurt), Piktogram (Warschau), Berthold Pott (Köln), ROBERTO PARADISE (San Juan), Ruttkowski;68 (Köln), SARIEV Contemporary (Plovdiv), SILBERKUPPE (Berlin), Soy Capitán (Berlin), Joseph Tang (Paris), Temnikova & Kasela (Tallinn), Waldburger Wouters (Brüssel), Warhus Rittershaus (Köln), Kate Werble (New York).
show more
posted 25. Apr 2017

Lily van der Stokker. Living Room/Wohnzimmer

31. Mar 201707. May 2017
opening: 31. Mar 2017 19:00
Opening Friday, March 31st, 2017, 7—9 pm For more than 30 years, Lily van der Stokker has been investigating the themes of everyday life and femininity, decoration and design as well as the psychology of the home. To this end, transgressing the border of the canvas plays a central role. Having concentrated for decades on wall paintings, which she combined with language elements partly in a subversively-illustrative, supposedly humorous way, these are now increasingly complemented with sculptural elements and furniture. This way, she creates space-encompassing environments in which painting and design merge seamlessly. For her exhibition at CAPRI, Lily van der Stokker has installed a domestic setting of furniture, carpet and painting that conveys the typical playful character of her work. All parts of the installation are covered with the same pattern of yellow, blue and pink flowers and floral lines. In this way a supposedly naive, frivolous aesthetic is created, with which the artist blatantly displays a symbolic world of the feminine: "Living Room / Wohnzimmer" appears sensitive and demanding, childlike and ladylike, emotional and constructed at the same time. Traditional boundaries between art and design, painting and decoration, patterns, materials and techniques flow into one another. The painting becomes the wallpaper, while chair, carpet and table gain a sculptural value. This cross-genre approach includes an ambivalence that has always characterized van der Stokker's work: her furniture pieces are design objects that are in conflict with design, just as her art is in opposition to art. "Living Room / Wohnzimmer" is a mixture of nursery and salon, reflecting the longing for protection, comfort and private living space, for fashioned life and children’s fantasy. This rococo-like world, however, unfolds in its capricious, cartoon-like decoration an abundance that is hard to bear – thus tipping the supposedly functionally-domestic, girlishly-playful scenario into something oppressive. What has seemed familiar suddenly turns threatening and surreal. "Living Room / Wohnzimmer" becomes the symbol of domestic repression. Lily van der Stokker, born in Den Bosch, The Netherlands, in 1954, lives and works in Amsterdam and New York. Solo exhibitions were held, amongst others, at Hammer Museum Los Angeles (2015), New Museum New York (2013), Kaufmann Repetto Gallery, Milan (2012) and Museum Ludwig, Cologne (2003). She has participated in numerous group exhibitions, including San Francisco Museum of Modern Art (2011), South London Gallery (2010) and De Appel, Amsterdam (2008). * Come and visit us at Ackerstraße 26 in Düsseldorf. We are open every Saturday from 12 till 3 pm.
show more

posted 24. Apr 2017

Andrea Éva Győri. AUDIENCE IS GETTING FRANTIC - APPROACHING VIBRATION

26. Mar 201706. May 2017
opening: 25. Mar 2017 19:00
Andrea Éva Győri. AUDIENCE IS GETTING FRANTIC - APPROACHING VIBRATION Opening | Sat, 25 March 2017, 7 pm Exhibition | 26 March – 06 May 2017 Artist Talk (Ludwig Seyfarth and Andrea Éva Győri) | 27 April 2017, 6.30 pm Andrea Éva Győri's artistic practice revolves around the connection between the body and the psyche as a reflection of personal and social processes. Themes include sexuality and satisfaction as forms of self-care, and partnerships and the power relations that they generate. The exhibited works–mostly videos and drawings–are the result of remarkably trustful collaborations with their protagonists. The individual interpersonal and humorous encounters form a performative base that is essential to Győri's approach. Her project for Manifesta 11 in Zurich, in which she worked together with a sexual therapist, deals with the female orgasm in several series of drawings. In part, the studies are illustrations of exercises from behavioual psychology sessions. Others are portraits, in which the artist depicts women masturbating, visually analyzing their fantasies. In a time when over-sexualisation is both denounced and omnipresent, Győri offers a contrast to high-definition, pornographic photography, with its masculine gaze: an offensively subjective, artistic portrait of female nudity and intimacy. The most recent video work, presented for the first time in Grimmuseum, features the above mentioned sexual therapist, elucidating Győri's drawings in the installation in Zurich. Her technical and solution-oriented approach stands in contrast to the playful, impulsive nature of the drawings. In the exhibition the work forms the counterpart to an earlier video by Győri, which emerged in the closest of familial nuclei: that of mother and daughter. In the film Mom makes the bed (2016) the camera is the silent conversation partner, who listens to the mother of the artist as she makes the bed in the morning. In the midst of routine yet careful hand movements, the middle-aged woman explains the cornerstones of a balanced partnership and the dynamics that can arise from years of cohabitation. Parallel to creating household order, Győris mother gives her daughter, and at the same time every (female) viewer of the video, very personal advice for a fulfilling life. Although Győri's work is very direct and based on individual experience, it ties into the contemporary reality of the viewer in a universal way with a playful gravity. The personal life of the artist herself is, despite the intimacy of her approach, not present in the final work. Rather, as moderator she lays bare access to the formation of intimacy. Rather, as a moderator she facilitates the intimacy of its formation. Andrea Éva Győri (*1985 in Budapest, HU) lives and works in Berlin and Stuttgart. Studies in Fine Arts, Staatliche Akademie der Bildenden Künste, Stuttgart in Class of Christian Jankowski, Mike Bouchet (Video/Performance/Sculpture/Installation), Felix Ensslin (Aesthetic/Psychoanalytical Culture Theory). Studies of Fine Arts at HONGIK University; Asien Oriental painting studies, Seoul, Korea, guest studies in Human Anatomy and Autopsy at the Medical University of Budapest. From May 2017 onwards, Andrea Éva Győri will be artist in residence at Jan Van Eyck Multiform Institute for Fine Art and Reflection, Residency Program and Projects Scholarship, Maastricht, The Netherlands. Győri has presented her work at international institutions, including: Haus der Kunst, München (upcoming); MANIFESTA 11, Zürich; Victoria Art Center, Bukarest, Romania; SeMA NaNJI Exchibition Hall, Seoul Museum of Art, Seoul; Kuandu Museum of Fine Arts, Taipei, Taiwan; /si:n/ Biennial for Videoart and Performance in Palestine, Ramallah; Bundeskunsthalle Bonn; Staatliche Kunsthalle Baden-Baden; Bonner Kunstverein; Videonale15 Parcours Bonn; Kunstverein Familie Montez - Frankfurt / Main; Seoul Art Space-Seogyo, Seoul; 12. Triennalle der Kleinplastik, Fellbach; Gallery Wiensowski & Harbord, Berlin; Württembergischer Kunstverein, Stuttgart; Goethe Institut in Washington, D.C. Her selected public and private performances took place at Kunstmuseum Bonn; Videonale 15 Bonn; Centre for Contemporary Art Ujazdowski Castle, Warsaw; me Collectors Room Berlin / Stiftung Olbricht; Kunsthalle Baden-Baden; W139, Amsterdam, Portikus, Frankfurt; Gallery Wiensowski & Harbord, Berlin; Heidelberger Kunstverein, Heidelberg; Seoul Museum of Art – SeMA, Seoul: Venice Biennale Hungarian Pavilion, Venice; Wiels, Contemporary Art Centre, Brussels; Ute Weingarten-Artpress, Berlin; Akademie Schloss Solitude, Stuttgart; Künstlerhaus Stuttgart, amongst others.
show more

posted 23. Apr 2017

SOL CALERO. Interiores

04. Mar 201707. May 2017
opening: 03. Mar 2017 19:00
ERÖFFNUNG: 03.03.2017, 19 Uhr Begrüßung: Marion Edelhoff (Vorsitzende), Einführung: Oriane Durand (Künstlerische Leiterin) Einem Gesamtkunstwerk vergleichbar sind die immersiven Installationen Sol Caleros (*1982 in Caracas, Venezuela): Farbintensiv, reich an dekorativen, aber auch nutzbaren Objekten und ausgestattet mit Malereien, Möbeln, selbstgestalteten Stoffen und Videoarbeiten. So transformiert Calero neutrale in funktionale und kommunikative Räume – Galerien wurden zu Friseursalons oder Internetcafés, ein Museum eine Wellness-Oase. In der Verwendung vielfältiger tropischer Motive und einer opulenten Ästhetik, hinterfragt sie unsere klischeebehaftete Vorstellung des Exotischen und somit die Konstruktion von Identität und Nationalität. Für Interiores, Sol Caleros erste große institutionelle Einzelausstellung in Deutschland, konzentriert sie sich erstmals auf die Malerei als Vorgang der Abstraktion. In der Tradition des venezolanischen Bildhauers Jesús Rafael Soto (1923-2005) verwandelt sie den gesamten Raum des Kunstvereins in eine Malerei – ihre Malerei –, in die der Besucher eintaucht. So entsteht ein Ort ohne Funktionalität, der dennoch weiterhin die Konflikte und Widersprüche unseres eigenen Wertesystems ausstellt, und unser Verlangen sowie Sehnsüchte mit Sinnlichem, Ablenkendem und Humorvollem füllt.

artist

Sol Calero 

curator

Oriane Durand 
show more
posted 22. Apr 2017

Julius von Bismarck. Talking to Thunder

31. Mar 201706. May 2017
opening: 31. Mar 2017 19:00
Opening Friday, Mar 31st, 2017, 7—9 pm When, at the end of August 2016, it emerged that more than 300 reindeers were struck by lightning on the Hardangervidda mountain plateau in southern Norway, Julius von Bismarck immediately booked the next flight. A chartered fishing boat brought him and his team near; a day and a half later, he stood before the site of a natural catastrophe of historical proportions. The sad trophies of this journey are 130 antler tips of different lengths, sometimes a few centimetres, sometimes up to 30 cm long, which he took from the animal carcasses on the spot. Each individual antler tip, which is mounted in stainless steel for this exhibition and placed on a metal rod at the height of a reindeer head, testifies to the relentless brutality of nature, which is so inexplicable to us. Julius von Bismarck is interested in various concepts of nature: he confronts the Western dogma of nature as an environment that is in need of protection with the image of nature as a punishing deity, a natural force which invariably devastates and is to be soothed and worshipped. In the north of Colombia, he met the shaman of an Indian tribe, whose people are stricken by the frequent thunderstorms occurring in this region, and who speaks with the thunder as if it were a real person. The title of this exhibition, "Talking to Thunder", stems from this conversation. Since he was struck by lightning while camping in his car in the wilderness about 10 years ago, von Bismarck has been attempting to tame lightning bolts. He travelled to an atmospheric research lab in New Mexico, to a naval base in Florida, and he visited Venezuela time and again - there is a remote area where there are particularly frequent electrical storms. The electric current between the ground and the sky can be measured. If it is particularly high, an electrical discharge can be provoked by building a bridge, for example in the shape of a Kevlar-spun copper thread, which is shot into the sky by a small rocket. In a fishing village in the middle of the Venezuelan jungle, and after long experiments, von Bismarck succeeded in capturing several lightning bolts. With a time lapse camera, he has filmed dramatic thunderstorms: lightning perforates the sky, plants sway heavily in the storm, gushes of rain whip the surface of a lake. These recordings, which are silent because of the nature of slow motion, have been set to sound with the artist’s own imitated noises. The resulting video can be seen on the third floor. In a group of photographs von Bismarck additionally shows the lightning striking palm trees, tropical plants and a lake. The lightning bolt itself becomes a sculptural object, almost tangible. The self-built rockets, with which the artist tried to capture the lightning, and which he painfully retrieved from the jungle after each use with the aid of a flashing LED and tracking transmitter, are exhibited in parallel as ready-mades, still carrying the aura of challenging the elements. Von Bismarck and his team spent many weeks in the Venezuelan jungle. What at first sight looks like paradise turns out to be the contrary: the humidity is unbearable, the beach is polluted with oil, the water is bacterially and chemically charged. Through binoculars, the rain-soaked tropical plants look like two-dimensional stage props, arranged behind one another – they remind of the western idea of the jungle, which has long been influenced by botanical drawings as well as the paintings of Henri Rousseau. Von Bismarck has pressed and dried the surreal plants of this menacing region, and mounted them on stainless steel plates. Titled "I like the flowers", they are part of this exhibition. Some amazingly beautiful, some brutally deformed, they testify to the long tradition of human intervention in nature. Julius von Bismarck grew up in Riyadh (Saudi Arabia) and Berlin, where he lives and works. Among his solo exhibitions are: I Like The Flowers, Kunstverein Frankfurt, Frankfurt (2017); Objects in mirror might be closer than they appear (with Julian Charrière), Villa Bernasconi, Grand-Lancy (2016); Tiere sind dumm und Planzen noch viel dümmer, Kunstverein Göttingen, Göttingen (2015) and History of Apparatus, Kunstverein Arnsberg, Arnsberg (2014). Among his group shows are: PRODUKTION. made in germany drei, Sprengel Museum, Hannover (2017); The 1st Antarctic Biennale, Antartic (2017); Deep Inside, 5th Moscow International Biennale for Young Art, Moscow (2016); Kunstpreis der Böttcherstraße, Kunsthalle Bremen, Bremen (2016); Under Arms. Fire & Forget 2, Museum für Angewandte Kunst, Frankfurt am Main (2016); Welcome to the Jungle, KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2015); Fire and Forget, KW Institute for Contemporary Art, Berlin (2015) and Egocentric System, Art Basel Unlimited, Basel (2015). This year, Julius von Bismarck will receive the Art Prize of the City of Wolfsburg.
Sies + Höke, Düsseldorf

Poststr. 2 / Poststr. 3
40213 Dusseldorf

Germanyshow map
show more

posted 21. Apr 2017

Heidrun Holzfeind «Never Neverland»

10. Mar 201705. May 2017
opening: 09. Mar 2017 18:30
Eröffnung: Do, 09.03.2017, 18.30 Uhr apero 2017: Do, 16.03.2017, 18 - 22 Uhr Heidrun Holzfeind, »EXPOSED«, 2005 Filmabend und Gespräch mit Heidrun Holzfeind und Silvia Eiblmayr Di, 02.05.2017, 18.30 Uhr Der Kunstraum Lakeside richtet die erste Einzelpräsentation der in Kötschach-Mauthen gebürtigen Videokünstlerin Heidrun Holzfeind in Kärnten mit einer adaptierten Präsentation ihres dreiteiligen Videoprojektes „Never Neverland“ aus. Die Arbeiten der österreichischen Künstlerin Heidrun Holzfeind spüren dem Verhältnis zwischen individuellen Lebensgeschichten und politischen Realitäten nach. Für die vom steirischen herbst beauftragte Arbeit „Never Neverland“ spannt Holzfeind einen Bogen von einer Künstler Community in der kalifornischen Wüste zu Orten experimenteller Lebensentwürfe in der Steiermark und Slowenien. Das filmische Erkundungsprojekt porträtiert in einer 3-Kanal-Videoinstallation Menschen, die einen alternativen Lebensweg abseits der Konsumgesellschaft eingeschlagen haben. Diese Suche nach einem menschenwürdigeren Dasein wird zum Ausgangspunkt einer Reflexion über Kreativität, Spiritualität und Nachhaltigkeit und dem Gegensatz zwischen Kommunalismus und Individualismus. Holzfeinds Arbeit ist als künstlerischer Versuch zu verstehen, vernachlässigte soziale Narrative aufzugreifen und diese mit den Wünschen, Erwartungen und Gefühlen der Besucher zu konfrontieren. Dabei gelingt es Heidrun Holzfeind, ein politisches Moment jenseits der Konventionen politischer Kunst zu erzeugen. Anfang Mai findet ein Filmabend mit Heidrun Holzfeind und der Kunsthistorikerin und Kuratorin Silvia Eiblmayr statt, bei dem eine weitere Arbeit der Künstlerin, nämlich „EXPOSED“ aus dem Jahr 2005, gezeigt und diskutiert wird. Die Protagonistin des Filmes leidet unter einer Vielfachen Chemikalienunverträglichkeit (MCS). Der Film zeigt die Verletzlichkeit und Ausgesetztheit der Tänzerin, aber auch ihren Kampf um Anerkennung ihres von Umweltgiften belasteten gesundheitlichen Zustandes und um entsprechende Unterstützung.

curator

Hemma Schmutz 
kunstraum lakeside, Klagenfurt

Lakeside Science & Technology Park GmbH, Lakeside B02
A-9020 Klagenfurt

Austriashow map
show more
posted 20. Apr 2017

ALEXANDRA BIRCKEN. STRETCH

26. Mar 201725. Jun 2017
opening: 26. Mar 2017 12:00
Ausstellungseröffnung: Sonntag, 26. März, 12 Uhr »STRETCH« ist eine umfassende Werkschau der Künstlerin Alexandra Bircken, die sowohl frühe als auch neue ortsspezifische Arbeiten zeigt. Das Experiment mit dem Material sowie der Körper als Ausgangspunkt sind grundlegende Parameter ihrer skulpturalen Arbeit. Die Haut als Bekleidung, als Organ und zellulare Struktur, aber auch als Grenze zwischen Innen und Außen bildet den Initiator für die Entwicklung der vielschichtig konstruierten Werke der Künstlerin. Materiell sind ihre Objekte geprägt von unterschiedlicher, oftmals kontrastierender Beschaffenheit. Gipsmodellagen, Wachse, Fragmente von Schaufensterpuppen und Kleidungsstücke, die als Körperteile zum Einsatz kommen, sowie mit Wolle verdichtete Strukturen werden als Versatzstücke genutzt und miteinander verwoben. Die Arbeiten von Bircken (*1967, lebt in Köln) bestechen einerseits durch eine auratisch geladene Materialpräsenz und erinnern andererseits an den menschlichen Körper und dessen Schutzhüllen – sei es in stofflicher oder auch architektonischer Art und Weise. So erinnert beispielsweise das Walking House (2016) an ein archaisches Baumhaus oder – wie im Titel angelegt – an ein modulares, vermeintlich bewegliches Domizil. Demgegenüber stehen weiche, fließende Formen, wie etwa jüngst ein grobmaschiges Wollgewebe bzw. Ornament mit dem Titel Cocoon Club (2016). Rund sechzig Arbeiten werden im Museum Abteiberg zu sehen sein, verteilt im großen Wechselausstellungsraum und dem offenen Ausstellungsbereich in der Straßenebene. Über den Parcours verteilt tauchen diverse an menschliche Figuren erinnernde Skulpturen auf, die auf Treppen drapiert, stehend oder liegend dem Besucher gegenübertreten. Diese figurativen Arbeiten werden in Bezug gesetzt zur Maschine, als vom Menschen erschaffene Apparatur oder Machtinstrument. Die Dominanz- und Schutzbehauptung von Motorradkleidung und -rädern oder von Waffen wird durch Verletzungsspuren – etwa in den aus Motorradbekleidungen gefertigten Figuren – thematisiert. Maschinen, Waffen sowie zwei Motorräder werden durch Schnitte dekontextualisiert. Erstmalig sind in dieser Ausstellung, die gemeinsam mit dem Kunstverein in Hannover realisiert wurde (dort zuvor 30.09. – 27.11.2016), frühe Objekte und Skizzen zu sehen, die an der Schnittstelle von Mode und Kunst entstanden. Mit dem Shop »Alex« (Köln) begann 2003 die künstlerische Arbeit Birckens, die zuvor eine Ausbildung zur Modedesignerin am St. Martins College in London absolviert hatte, wo sie lange lehrte und sich u. a. mit ihrem eigenen Label »Faridi« einen Namen machte. Bereits ihre frühen Accessoires lassen ein künstlerisches Interesse an Objekthaftem und Räumlichem erkennen. Alexandra Bircken entwickelte große ortsspezifische Interventionen, die das Zusammenspiel von Mensch und Maschine sowie Figur oder Roboter im Raum beleuchten. Der Ausstellungsparcours als eine räumliche Welt aus Protagonisten und Formwandlungen lässt das Publikum sich selbst und die eigene Relation zu Welt und Zeit thematisieren. Alexandra Birckens Werke wurden in jüngeren Museumsausstellungen etwa im Museum Boijmans van Beuningen, Rotterdam (2014) oder in The Hepworth Wakefield (2014) gezeigt. Zuvor stellte sie beispielsweise im Kunstverein in Hamburg (2012) sowie im Studio Voltaire in London (2011) und im Kölnischen Kunstverein (2010) aus. Die Ausstellung »STRETCH« wurde in Zusammenarbeit mit dem Kunstverein Hannover realisiert und erzeugt an beiden Orten unterschiedliche räumliche Situationen. Im Rahmen der Ausstellungstournee erscheint eine neue Publikation zum Werk von Alexandra Bircken. Die Ausstellung im Museum Abteiberg und die Künstlerpublikation werden realisiert mit großzügiger Förderung durch die Stiftung für Kunst, Kultur und Soziales der Sparda Bank West und endet mit einem Finissage-Konzert, das Alexandra Bircken für das multimediale Mönchengladbacher ENSEMBLIA Festival vorschlägt.
show more

posted 19. Apr 2017

Making Space: Women Artists and Abstraction

15. Apr 201713. Aug 2017
Making Space shines a spotlight on the stunning but still relatively under-recognized achievements of women artists between the end of World War II (1945) and the start of the Feminist movement (around 1968). In the postwar era, societal shifts made it possible for larger numbers of women to work professionally as artists, yet their work was often dismissed in the male dominated art world, and few support networks existed for them. Abstraction dominated artistic practice during these years, as many artists working in the aftermath of World War II sought an international language that might transcend national and regional narratives—and for women artists, additionally, those relating to gender. Drawn entirely from the Museum’s collection, the exhibition features more than 100 paintings, sculptures, photographs, drawings, prints, textiles, and ceramics by some 50 artists. Within a trajectory that is at once loosely chronological and synchronous, it includes works that range from the boldly gestural canvases of Lee Krasner, Helen Frankenthaler, and Joan Mitchell; the radical geometries by Lygia Clark, Lygia Pape, and Gego; and the reductive abstractions of Agnes Martin, Anne Truitt, and Jo Baer; to the fiber weavings of Magdalena Abakanowicz, Sheila Hicks, and Lenore Tawney; and the process-oriented sculptures of Lee Bontecou, Louise Bourgeois, and Eva Hesse. The exhibition will also feature many little-known treasures such as collages by Anne Ryan, photographs by Gertrudes Altschul, and prints made at the Tamarind Lithography Workshop in Los Angeles, founded by June Wayne. Organized by Starr Figura, Curator, Department of Drawings and Prints, and Sarah Hermanson Meister, Curator, Department of Photography, with Hillary Reder, Curatorial Assistant, Department of Drawings and Prints. The exhibition is supported by the Annual Exhibition Fund.
MOMA - The Museum of Modern Art, New York

MOMA | 11 West 53 Street
NY-10019 New York

United States of Americashow map
show more

posted 18. Apr 2017

A World View: John Latham

02. Mar 201721. May 2017
As a pioneer of British conceptual art, John Latham (1921-2006) has exerted a powerful and lasting influence, not only on his peers but on generations of younger artists. This spring, the Serpentine hosts a new exhibition that encompasses all strands of Latham’s extraordinary practice, including sculpture, installation, painting, film, land art, engineering, found-object assemblage, performance and the artist’s theoretical writings. Central to the world view that Latham spent a lifetime developing, was his proposed shift towards a time-based cosmology of events away from a space-based framework of objects. In Latham’s eyes, ‘flat time’ expands across and beyond individual disciplines, aligning social, economic, political, psychological and aesthetic structures. He saw the artist as holding up a mirror to society: an individual whose dissent from the norm could lead to a profound reconfiguration of reality as we know it. Since he started exhibiting in the late 1940s, Latham has been associated with several national and international artistic movements, including the first phase of conceptual art in the 1960s. He was an important contributor to the Destruction in Art Symposium of 1966, and also a co-founding member of the Artist Placement Group APG (1966-89), along with Barbara Steveni, Jeffrey Shaw, David Hall, Anna Ridley and Barry Flanagan, an initiative that was to expand the reach of art and artists into wider society through organisations of all kinds, at all levels and on a basis equivalent to any other specialist. Adopting a holistic approach, the Serpentine exhibition will span Latham’s career to include the artist’s iconic spray and roller paintings; his one-second drawings; films such as Erth (1971) and Latham’s monumental work, Five Sisters (1976) from his Scottish Office placement with APG. Over the course of the exhibition, Flat Time House, John Latham’s studio home in Peckham, south London, will open to the public, hosting a programme of workshops and events. In 2003, Latham declared Flat Time House a living sculpture. Since 2008, it has been a gallery, residency space and centre for experimental events and research into Flat Time. It is also home to the John Latham archive. John Latham John Latham was born in Livingstone, Northern Rhodesia (now Maramba, Zambia) in 1921. After serving in the Royal Navy, he enrolled at Regent Street Polytechnic and then studied painting at Chelsea College of Art and Design (1947–51). Solo exhibitions include Henry Moore Institute, Leeds, UK (2016); Triennale di Milano, Milan, Italy (2014); Whitechapel Art Gallery, London, UK (2010); P.S.1 Contemporary Art Center, New York City, USA (2006); Tate Britain, London, UK (2005, 1976); Mattress Factory, Pittsburg, USA (1996); MoMA Oxford, UK (1992); Staatsgalerie, Stuttgart, Germany (1991); Société des Expositions du Palais des Beaux-Arts, Brussels, Belgium (1984); and Städtische Kunsthalle, Düsseldorf, Germany (1975). Multiple shows in the Lisson Gallery. His work was shown in many group exhibitions including Documenta 6, Kassel, Germany (1977) and the 51st Venice Biennale, Venice Italy (2005). His work is held in collections worldwide, including Tate Collection and MoMA.

artist

John Latham 
Serpentine Gallery, London

Kensington Gardens
W2 3XA London

United Kingdom of Great Britain and Northern Irelandshow map
show more
posted 17. Apr 2017

The Uninhabitants. Gal Weinstein, Patrizia Giambi, in collaboration with Opifici Dal Re

29. Mar 201720. May 2017
opening: 28. Mar 2017 18:30
The Uninhabitants Gal Weinstein, Patrizia Giambi, in collaboration with Opifici Dal Re Preview 28 March 2017, 6:30 pm Riccardo Crespi gallery presents The Uninhabitants, an exhibition that stands on the borderline between art and design and is based on a group of works whose formal characteristics would make it easy to assign them to the area of the domestic, the world of inhabiting. The artists’ works all suggest a connection with corresponding objects of everyday use, but the doors Patrizia Giambi has created in collaboration with Opifici Dal Re, like Gal Weinstein’s disintegrating kitchen, display, on close examination, a quite different vocation that betrays an urge to un-inhabit rather than to inhabit: doors that do not protect, nor separate, a kitchen in which you can’t cook, an alcove that offers no privacy. Instead of conveying a reassuring sense of hearth and home, once they have emerged from the artist’s studio the works reveal their inability to function, thereby showing the fundamental divergence between the meanings implied in the creation of a work and its actual use. Gal Weinstein was born at Ramat Gan in 1970. He lives and works in Tel Aviv. This year he will represent Israel at the 57th Venice Biennale, after showing his work in numerous solo exhibitions in museums and galleries all over the world and taking part in major events both in Israel and abroad, including the 25th Bienal de São Paulo, the 8th Mercosul Biennale and the 4th Thessaloniki Biennale. Patrizia Giambi was born at Lugo, Ravenna, and lives and works in Forlì. She has collaborated since 1985 with Maurizio Cattelan, working alongside him in the spontaneous art group Palazzo del Diavolo. After intense exhibition activity in America from 1991 to 1997, she returned to Europe, showing at different institutions and galleries in Italy and the rest of the continent. Opifici Dal Re has taken up the legacy of the Essegi publishing house in Ravenna and was set up by Patrizia Dal Re to play an ever more active role in the production and publishing of art.

artists & participants

Patrizia Giambi,  Gal Weinstein 
show more
posted 16. Apr 2017

Annette Messager

10. Feb 201723. Apr 2017
From February 10 to April 23, 2017 the French Academy in Rome – Villa Medici will host the first solo exhibition in Italy by Annette Messager, one of the most famous, innovative and nonconformist French artists on the contemporary art scene. Internationally speaking the exhibition is already looking like one of the big cultural events of the season. Titled Messaggera, the show combines the most remarkable works of a prestigious career with new ones specially created for the Villa. Taken together they testify to the eclecticism of an artist who makes nonchalant play with references both to art history and popular culture. With Annette Messager, and at the instigation of director Muriel Mayette-Holtz, the French Academy in Rome – Villa Medici is initiating Une, its new series of contemporary art exhibitions, curated by Chiara Parisi: women artists internationally famed as contemporary icons will be presenting major shows with works for the most part not seen in Italy before. Each exposition will highlight the expressive force of the artist's project and their vision. Born in 1943 and laureate of the Golden Lion at the 2005 Venice Biennale, in 2016 Annette Messager received the prestigious Praemium Imperiale International Arts Award for sculpture. Not only sculpture, however, but also drawing, painting, photography, writing and embroidery, are the instruments she uses in her installations that are ironic reflections of her own experience. "For me," explains the artist, "transforming something is like playing. But playing seriously, the way children do. I consider myself an old child." With these words she introduces us into a world founded on a balance between the familiar and the troubling, between dream and nightmare. A world of fabrics, colored pencils, doctored images, dolls, soft toys and stuffed animals. At the Villa Medici Annette Messager offers an imaginative, dreamlike itinerary that sets up interaction between the interior and exterior spaces of the splendid Renaissance architecture. In an exploration of the revolts led by women, their fears and fantasies, the artist raises the issue of prejudice with a single intention: transforming taboos into totems. "When I started," says Annette Messager, "the art world was almost exclusively male. Since then a lot more women have found their way in, but prejudices die hard. A woman artist triggers specific questions: I get asked about my private life, and if I have children. Women writers are more readily accepted, probably because they've inherited the tradition of keeping a diary." With her highly personal way of interpreting our time, telling stories and creating disturbing ambiences, Messager challenges the social clichés about womanhood and plays her part in deconstructing stereotypes. Published by Electa, the exhibition catalogue—the first in a new series on contemporary art—conceived as an artist's book, is in fact Annette Messager’s personal diary devoted to the Villa Medici. It is accompanied by a poster specially created for the occasion.

curator

Chiara Parisi 
show more


posted 15. Apr 2017

MAT COLLISHAW. The Centrifugal Soul

07. Apr 201727. May 2017
opening: 06. Apr 2017 18:00
‘We put too much of ourselves into our product facades, spinning too much mass to our outer edges where we hope it is both publicly visible and instantly lovable. One problem with this strategy is that it leaves too much blank space in the middle, so there’s not much of ourselves left for lovers or friends to discover in the long term. This could be called the centrifugal-soul effect.’ - Geoffrey Miller In The Centrifugal Soul, Mat Collishaw’s forthcoming exhibition at Blain|Southern, the artist presents new sculpture, installation and paintings. Drawing on various forms of illusion, the exhibition explores ideas of superficial truth and the erosive effect of our primal urges for visual supremacy. Collishaw worked with evolutionary psychologist Geoffrey Miller - whose theory that the origins of art stem from natural instincts of courtship and reproduction - to produce the title work and centrepiece of the exhibition. The Centrifugal Soul is a sculpture in the form of a zoetrope, which animates scenes of bowerbirds and birds of paradise as they perform elaborate mating rituals. The work offers a captivating demonstration of how aesthetic diversity has evolved through sexual selection and also reflects the artist’s ongoing examination of our insatiable appetite for visual stimulation. Exhibition dates: 7 April – 27 May 2017

artist

Mat Collishaw 
BlainSouthern, London

4 Hanover Square
W1S 1BP London

United Kingdom of Great Britain and Northern Irelandshow map
show more
posted 14. Apr 2017

Marina Abramović. The Cleaner

18. Feb 201721. May 2017
For nearly forty years, Marina Abramović has been expanding the boundaries of art. Using her own body as a vehicle, she has pushed herself to the ultimate limits, often exposing herself to lethal hazards to create performance art that is shocking, challenging and deeply moving. This exhibition is her first major retrospective in Europe, and was produced in close collaboration with the artist. The Cleaner features more than 120 works from five decades and presents several of her most famous performance works as films, video installations, live performances, scenographies and photographs from the 1970s to today. It includes works created with the German artist Ulay, her partner in art and life in 1976–1988. Several of her early pieces – paintings, photos, sound compositions and works on paper – are shown here for the first time. Performance is about the here and now Since the early 1970s, Abramović has changed and promoted performance art – a discipline that is all about the here and now, about energies between people, rather than physical art objects. Her earliest conceptual pieces and audio environments have similarities with the public performance works she has produced in recent years, where the focus has been on the presence of each individual taking part in them. The active participation of the audience has grown increasingly important, as in 512 Hours and the completely new collective performance work The Cleaner (2017), which will take place on Skeppsholmen in conjunction with the exhibition. Born in Belgrade Her childhood in Belgrade in former Yugoslavia was deeply influenced by religion and revolution. Abramović, born in 1946, was brought up by her Christian grandmother and her parents who were partisans under Tito, the Yugoslavian head of state at the time. Spirituality, without religious affiliations, is at the centre of her practice, challenging power structures and hierarchies, without being explicitly political. Abramović gives up painting in the 1970s Early in her career, Abramović chose to give up the prevailing discipline of painting in favour of conceptualism, which is based on ideas rather than objects and often builds on sensory perceptions. But it was when she began engaging in performance art that she truly found her own expression. Abramović exposed herself to both pain and peril, like many other body artists at the time, including Chris Burden, Vito Acconci, and Gina Pane. In her early works, she experimented with a ritual dramaturgy similar to that of martyrdom. The settings are carefully composed of symbols and objects distinctly charged with meaning – the star, the cross, ice and fire, honey and wine. In one of her most disturbing works, Rhythm 0 (1972), she appears sitting next to a table with 72 objects intended for pleasure or pain. Abramović leaves the audience free to do what they want with her, while simultaneously taking full responsibility for everything that happens in the room. Ulay – collaborator and partner in 1976–1988 In her collaboration with Ulay (b. 1943), whom she met in Amsterdam, she developed a radically terse format, focusing on the dynamic interaction between them. Their Relation series evolved in their life together, which in itself was a work in progress, perpetually in motion, travelling around Europe in their van, and eventually going on longer journeys around the world to experiment with hypnosis and meditation. Their collaboration and their relationship was brought to a close in what is perhaps their most famous work, The Lovers (1989), a ritual walk from opposite ends of the Great Wall of China, where they met halfway – and then parted. Balkan Baroque – despair and genocide In the devastating Balkan conflict in the 1990s, Abramović explored her own background. In the performance Balkan Baroque (1997) at the Venice Biennale she expressed her despair over the war and genocide in former Yugoslavia. Dressed in white, sitting on a huge pile of animal bones, Abramović scrubbed futilely to clean them of dirt and blood. Visitors balked at the macabre scene. After being rejected by the national pavilion on the grounds of its difficult subject matter, it later provoked great attention in the international exhibition, where she was awarded the Gold Lion, the Biennale’s most prestigious prize. Durational performance and non-verbal dialogue The performances that Ulay and Abramović made together often lasted for many hours. Abramović has continued to develop so-called durational performance on her own, in pieces such as her now classic The Artist is Present (2010), in which she met visitors’ eyes at MoMA in New York every day for three months. Travel, to places such as India, Tibet, Australia and Brazil, and the encounter with non-Western cultural traditions is another perpetual theme. In her exploration of mediation and transition, she has engaged in a series of Transitory Objects – pieces that are intended as implements and triggers rather than as sculptures. She developed new collective projects, partly based on the German Fluxus artist Joseph Beuys’ ideas on social sculpture – a collective generation of energies and non-verbal dialogue, as a means of influencing the time we are living in. Reperformances will be performed daily in the exhibition, and 27 February–5 March the brand new performance The Cleaner will take place at the Eric Ericson Hall. Curator: Lena Essling
show more
posted 13. Apr 2017

Rosa Barba. Spacelength Thought

02. Apr 201725. Jun 2017
opening: 05. Apr 2017 19:00
Eröffnung: Mittwoch, 5. April 2017, 19 Uhr Das Werk der deutsch-italienischen Künstlerin Rosa Barba lässt sich vor dem Hintergrund eines erweiterten Skulpturbegriffs lesen. Neben Fragen nach der Komposition, der Körperlichkeit von Form und der Plastizität, spielt die zeitliche Dimension eine zentrale Rolle. Dieser Aspekt sowie ihr Interesse daran, wie Film Raum artikuliert, setzen Werk und Betrachter in ein neues Verhältnis, was sich auch im Inhalt ihrer Filme widerspiegelt. Jeder ist eine topografische Studie des modernen Unbewussten. Es sind Räume der Erinnerung und der Ungewissheit, die trotz der instabilen Realität, die sie darstellen, als versichernder Mythos zu lesen sind. Barbas filmische Arbeiten bewegen sich zwischen experimentellem Dokumentarfilm und fiktionaler Erzählung und sind zeitlich nicht eindeutig festgelegt. Sie fokussieren häufig Naturlandschaften und vom Menschen verursachte Eingriffe in die Umwelt, sie untersuchen das Verhältnis zwischen historischer Aufzeichnung, persönlicher Anekdote und filmischer Darstellung. Eine Schlüsselstellung für Barbas räumlich erweiterten Begriff von Skulptur hat die Serie White Museum, bei der die Umgebung Teil der Installation wird. Ein Raum des jeweiligen Ausstellungsgebäudes wird zur Projektionskabine, aus der ein Filmprojektor ein rechteckiges Lichtfeld nach draußen wirft. Die Landschaft wird so zu dreidimensionalen Filmbildern, die von einem leeren Raum, gleichfalls Teil des Museums und der Ausstellung, betrachtet werden können. Die Außenwelt wird zum Bild, zur Idee. Die Arbeit wurde seit 2010 in verschiedenen ortsspezifischen Versionen gezeigt; erstmals im Centre international d’art et du paysage de l’île de Vassivière, wo der umliegende Park Teil der Installation wurde, anschließend unter anderem 2012 in Margate, in der Turner Contemporary (Projektion aufs Meer), 2015 im Hirsch Observatory in Troy, Upstate New York, wo die Projektion in den Himmel gerichtet wurde und zuletzt auf der laufenden 32. São Paulo Biennale (bis Dezember 2016). Parallel zu ihrem filmisch-installativen Werk gibt Barba seit 2004 die Editionsreihe Printed Cinema heraus, die als eine Art Sekundärliteratur zu Barbas Filmen fungiert: Da die Publikationen Recherche- ebenso wie für den Film selbst verworfenes Material umfassen, bilden sie nicht nur eine visuelle, sondern auch eine dauerhafte Erweiterung der temporär begrenzten filmischen Vorführung. Rosa Barba, geboren 1972 in Agrigent (Italien), lebt und arbeitet in Berlin.

artist

Rosa Barba 
Wiener Secession

Friedrichstraße 12
A-1010 Vienna

Austriashow map
show more

posted 12. Apr 2017

Copy Construct

25. Mar 201704. Jun 2017
opening: 24. Mar 2017
The exhibition Copy Construct departs from different artistic practices and specific works by artists that are based on ‘reproduction’ or ‘copy’. The selected works are inherent to the production of printed matter or artist’s books. This implies that different artistic media such as painting, drawing, photography, video, sculpture, and graphic design can manifest themselves through graphical problematics and their meanings. Alongside the 25 works of the artists, a little less than 300 books from the KASK collection (School of Arts, Ghent) and private collections from Belgium and England are displayed in the exhibition. The exhibition architecture is designed by Kris Kimpe and Koenraad Dedobbeleer and is accompanied by a publication, designed by Joris Dockx, which includes a bibliography of the exhibited books, different contributions by the artists, an interview with a book collector, etc. With work by: Kasper Andreasen, Peter Downsbrough, Vincent Geyskens & Jan Op de Beeck, Henri Jacobs, Jan Kempenaers, Kris Kimpe & Koenraad Dedobbeleer, Stephanie Kiwitt, Aglaia Konrad, Alon Levin, Sara MacKillop, Gregorio Magnani, Marc Nagtzaam, Willem Oorebeek, Frans Oosterhof, Ria Pacquée, Simon Popper, Guy Rombouts, Mitja Tušek, Anne-Mie Van Kerckhoven (Club Moral), & the KASK Collection et al., and publications by: Brumaria, Sébastien Conard, Arnaud Desjardin, De Enschedese School, Mekhitar Garabedian, Thomas Geiger (Mark Pezinger Verlag), Jef Geys, Groepsdruk (& others), Karl Holmqvist, Jochen Lempert, Louis Lüthi, Jurgen Maelfeyt, Mark Manders, Karel Martens, Tine Melzer, Dan Mitchell, Kristen Mueller, Olaf Nicolai, Sophie Nys, Quick Magazine, Kurt Ryslavy, Joachim Schmid, David Sherry, Erik Steinbrecher, Derek Sullivan, Elisabeth Tonnard, This Week, Erik van der Weijde, Maud Vande Veire, Gert Verhoeven, Leen Voet, Jan Voss, Fritz Welch curator: Kasper Andreasen
show more

posted 11. Apr 2017

El Lissitzky. Kabinett der Abstrakten. Die neue Rekonstruktion

18. Feb 201731. Dec 2018
Eröffnung: Freitag, 17. Februar 2017, 19 Uhr In Kooperation und mit großzügiger Unterstützung von E)(POMONDO by Holtmann, Hannover-Langenhagen, hat das Sprengel Museum Hannover eine neue Rekonstruktion von El Lissitzkys Kabinett der Abstrakten (1927) errichtet. Der Raum, der bis 1937 im Provinzial-Museum in Hannover existierte, steht nicht nur für eine bedeutsame Etappe der hannoverschen Museumsgeschichte, sondern gilt als ein Hauptwerk des russischen Künstlers und Meilenstein in der Entwicklung der Ausstellungsarchitektur. Als Künstler der internationalen Avantgarde verfolgte der Architekt, Maler und Typograph Lissitzky (1890−1941) das Ziel, die abstrakten Formen der Kunst in Einklang mit den Anforderungen des modernen Lebens zu bringen. Seine Werke berücksichtigten stets neueste technische Möglichkeiten, Materialien und Medien. Der Stadt Hannover war er seit 1922 besonders verbunden, da er hier bei Kuratoren und Sammlern Anerkennung erfuhr und seine spätere Frau Sophie Küppers kennenlernte. 1926 entwarf er im Auftrag von Alexander Dorner, Direktor der Landesgalerie im Provinzial- Museum Hannover, einen neuartigen „Demonstrationsraum“ für zeitgenössische Kunst, der schon damals als zukunftsweisendes Experiment überregionale Beachtung fand und bis heute im Fokus kunsthistorischer Forschung steht. Lissitzky erfand eine komplett neuartige Form, Kunst zu zeigen. Er verglich den Demonstrationsraum mit einer Art „Schaukasten“ oder „Bühne“, auf der jedes Werk zu seinem eigenen Recht und zur besten Geltung kommen sollte. Das moderne Ausstellungsdisplay mit Lamellenwänden und beweglichen Elementen zielte auf die Aktivierung des Besuchers und die Reflektion seiner Wahrnehmung. Die Gestaltung sollte „keine private Salondekoration sein“, sondern einen „Standard aufstellen für Räume, in denen der Allgemeinheit neue Kunst gezeigt wird“ (Lissitzky). Ausgestellt waren (und sind) im Kabinett abstrakte Werke von Kubisten und Konstruktivisten wie Fernand Léger, Piet Mondrian, El Lissitzky und Friedrich Vordemberge-Gildewart. Der Originalraum wurde im Zuge der Zerschlagung der Moderne durch die Nationalsozialisten 1937 zerstört und in Erinnerung an Dorners Wirken erstmals 1968 vom Niedersächsischen Landesmuseum rekonstruiert. Diese erste, nicht länger funktionstüchtige Rekonstruktion diente bis 2016 im Sprengel Museum Hannover als materielle Substitution des verlorenen Originals. Als Gedächtnisort und „Alleinstellungsmerkmal“ des Hauses erschien eine Rekonstruktion weiterhin unverzichtbar, ermöglicht der Raum doch ein unmittelbares Erleben künstlerischer Utopien der internationalen Avantgarde in Hannover in den 1920er-Jahren, auch wenn eine moderne Kopie immer das Risiko einer gewissen Verfälschung der historischen Wahrheit birgt. Der neue Nachbau ist am selben Ort in der Sammlung nun der Öffentlichkeit wieder dauerhaft zugänglich. Er versucht, das ursprüngliche Kabinett in seiner architektonischen Beschaffenheit, der Farbigkeit und Beleuchtung so präzise wie möglich zu rekonstruieren: so gibt es wieder zwei Zugänge (statt bisher nur einer Tür), einen schwarzen Linoleumboden (statt eines hellgrauen Teppichbodens), eine Decke und Fensterverkleidung aus Nesselstoff (statt eines Kunststoff-Gitters und eines Plexiglas-Kubus) und eine buntfarbige statt einer bisher schwarz-weiß-grauen Bemalung der Rahmenleisten. Zur Eröffnung des neu rekonstruierten Raums wird es eine kleine Präsentation von Werken und Dokumenten zu Lissitzky, Dorner und zur Entstehung des „Kabinetts der Abstrakten“ sowie der Rekonstruktion geben. Beide Räume werden ab 23. September 2017 auch einen essentiellen Teil der kommenden Sonderausstellung „revonnaH. Avantgarde in Hannover 1912 – 1933“ darstellen (bis 7.1.2018). Es erscheint eine 12seitige, illustrierte Besucherbroschüre (dt. und engl.). In Kooperation und mit großzügiger Unterstützung von E)(POMONDO by Holtmann, Hannover-Langenhagen. Eröffnung: Freitag, 17. Februar 2017, 19 Uhr Wissenschaftliche Leitung: Dr. Isabel Schulz

artist

El Lissitzky 
Sprengel Museum, Hannover

Kurt-Schwitters-Platz
30169 Hanover

Germanyshow map
show more
posted 10. Apr 2017

Thorsten Brinkmann - PARADIECLIPSE

03. Feb 201706. May 2017
Die Landschaften und Kreaturen, die der Hamburger Künstler Thorsten Brinkmann in der Ausstellung versammelt, spielen diesmal in ungewohnt düsterer Manier mit den klassischen Kunstgattungen Stillleben, Landschaft und Skulptur. Dabei entwirft er mit Fundstücken vom Flohmarkt, Sperrmüll oder Schrottplatz stimmungsvolle Naturszenarien, die, gattungsübergreifend, alltägliche Dinge, Möbelteile, Behältnisse oder Gefäße im Sinne einer geheimnisvollen Narration harmonisch miteinander verknüpfen. Auf Pogonia (2016) wähnt man sich in einem exotischen, bläulich schimmerndem Wald. Geschwungene Stuhlbeine und Glasvasen kombiniert mit kurvig zugesägten Holzplatten, wachsen sich auf der Fotografie zu allerlei Bäumen und Pflanzen aus. Gluno (2016) hingegen zeigt eine Hügellandschaft aus Gegenständen in unterschiedlichen Brauntönen, wie einer abgewetzten Ledertasche, Stuhllehne und weiteren Möbeln aus Holz, die mit virtuosem Verve stimmig ineinander verschachtelt wurden. In zwei neu entstandenen Vitrinenarbeiten (2017) führt Brinkmann die zweidimensionalen Landschaften in eine räumliche Dimension über. Mit Dingen, die eher dem Innenraum entstammen, entwirft er Außenwelten, die je nach Perspektive unterschiedliche Deutungen zulassen. Anders als die Fotografien ermöglichen sie Rückschlüsse auf die verwendeten Materialien und ihre Verarbeitung. Auch die beleuchteten Tonnen (2017), zusammengesetzt aus Schrankwandteilen, stellen eine skurrile dreidimensionale Bilderwelt zur Schau, eine Anspielung auf die üblich Nutzung dieses Möbelstücks zur Aufbewahrung von allerlei dekorativen Objekten. Für seine gleichermaßen mehrdeutigen, wie humorvollen Werk- und Ausstellungstitel bekannt, dreht Brinkmann auch diesmal mit der Bezeichnung PARADIECLIPSE am Rad assoziativer Möglichkeiten. So rekurriert der Verweis auf den Garten Eden hier auf jenen Sehnsuchtsort, dem seit Anfang des 19. Jahrhunderts in unzähligen Gedichten, Märchen und Sagen der Romantik gehuldigt wurde – dem „Deutschen Wald“, welcher u.a. durch das zum Nationalmythos stilisierte Nibelungenlied zum Innbegriff germanisch-deutscher Kultur wurde. Die „Eclipse“ (engl: Sonnenfinsternis) hingegen wirft einen Schatten auf dieses Ideal. Es ist kein Zufall, dass Sonnen in diesem Zusammenhang mehrfach auftauchende Motive darstellen. In der Arbeit Peak (2016), die einen monolithischen Berg mit rosa Himmel zeigt, wird diesem Himmelskörper bildkompositorisch eine zentrale Rolle zugewiesen. Es erinnert an die Landschaften des Surrealisten Max Ernst, an Die ganze Stadt (1935/36) oder Grätenwald (1926), die ebenfalls mit der Symbolkraft von Sonne (oder konträr mit der des Mondes) spielen. Nach einer Reihe dieser utopischen Dschungelbilder und Ruinenstädte, schuf Ernst 1937 das Gemälde Der Hausengel (Der Triumph des Surrealismus), welches ein in einer Wüstenlandschaft ekstatisch tanzendes Mischwesen darstellt. Brinkmann hat eine ähnliche Kreatur geschaffen. Skrillo (2016), ein Hybrid aus Vogelwesen und Kämpfer, der im gleichnamigen Video ein sonderbares Ritual aus Tanz und Drohgebärde vollzieht. Durch einen einfachen filmischen Trick scheint die Figur seltsam fremdbestimmt, einer ihr innenwohnenden Macht unterworfen zu sein. Auf der Tonspur verstärken rückwärts abgespielte und dadurch verfremdete Geräusche zusätzlich das Gefühl eines Unbehagens. Doch das ist nur die halbe Wahrheit. Thorsten Brinkmann arbeitet dieses Mal zwar mit einem düsteren, schweren und teilweise morbiden Bildvokabular, das die großen, bisweilen pathetischen Sujets Natur, Wald, Paradies behandelt – er tut dies jedoch nicht ohne einen Twist. Auf mehreren Ebenen bietet uns der Künstler ein dichtes Netz aus kunsthistorischen und popkulturellen Bezügen an, welches an vielen Stellen humorvoll kommentiert wird. Der Schamanenkrieger Skrillo ist nicht das einzige Lebewesen, dem der Künstler Platz in seiner persönlichen Version eines dystopischen Weltentwurfs einräumt. Vogel-Chimären, halb Papagei, halb Parfümflakon (Papagon, 2016), Flugsaurier (Knoppfa, 2016), Wolperdinger aus Keramikteilen oder auch der Röckler (2016), eine Kreuzung, aus Kleidungsstück, Künstlerschuhen, Lampe und Geweih – sie alle beleben Brinkmanns Paradies, machen es zu einem mystischen Ort, der deutungsoffen und ambivalent bleibt. Text: Christiane Opitz, Ergänzungen Marita Landgraf
Mathias Güntner, Hamburg

Fleetinsel, Admiralitätstr. 71
20459 Hamburg

Germanyshow map
show more

posted 09. Apr 2017

BEN SCHUMACHER. Käsesakramentsystem

04. Mar 201714. May 2017
Remise In seiner multimedialen künstlerischen Praxis beschäftigt Ben Schumacher das komplexe Wechselspiel zwischen physischer Präsenz und biografischer Repräsentation. Im Rahmen seiner ersten institutionellen Einzelausstellung in Deutschland verwandelt der Kanadier die Remise in ein Käselager auf Zeit: Ein Regalsystem bietet Platz für Käselaibe und ein Fries aus geschnitzten Holzobjekten, die als Stellvertreter für die sieben Sakramente der katholischen Kirche fungieren. Mit dünnem Kabel verbunden, simulieren die Objekte die Verknüpfung von realer und virtueller Welt, wobei das traditionell lokal verankerte Handwerk der Käseherstellung auf den Anspruch der globalen Vernetzung trifft. Die Installation wird um eine siebenteilige Serie neuer Malereien ergänzt, die um Themen der Initiation, Heilung und Dienste kreist. Kuratiert von Nele Kaczmarek Ben Schumacher (*1985 in Kitchener, Kanada) lebt in Berlin und New York. Nach einem Architekturstudium an der University of Waterloo, Ontario und einem Kunststudium an der New York University wurden seine Arbeiten in Ausstellungen des Sculpture Center, New York, des Musée d’art contemporain de Lyon und im Rahmen der 13. Triennale Kleinplastik Fellbach und der Montreal Biennale international vorgestellt. Im Anschluss an die Ausstellung im Kunstverein Braunschweig, wird Schumacher dieses Jahr an Gruppenausstellungen im ZKM Karlsruhe und in der Kunsthalle Zürich teilnehmen.

curator

Nele Kaczmarek 
show more
posted 08. Apr 2017

ANNELY JUDA FINE ARTS featuring LESLEY FOXCROFT

15. Mar 201706. May 2017
opening: 14. Mar 2017 18:00
EYES ONLY zeigt ANNELY JUDA FINE ARTS featuring LESLEY FOXCROFT Eröffnung: Dienstag, 14. März 2017, 18 – 21 Laufzeit: 15. März – 6. Mai 2017 || Mo - Sa 8 - 19 Uhr Die renommierte Londoner Galerie Annely Juda Fine Arts zeigt bei EYES ONLY die Britische Künstlerin Lesley Foxcroft mit der Arbeit „RUBBERBAND“, von 2017. Foxcroft´s Werke zeichnen sich aus durch die Einfachheit der verwendeten Rohstoffe, deren ungewöhnliche Verarbeitung zu minimalistischen Skulpturen und die bestechend simple Art und Weise der Befestigung der Werke im Raum und an den Wänden. Die Künstlerin verwendet überwiegend Packmaterialien, Karton oder schwere MDF Platten, die sie so „material-untypisch“ verformt, dass es schwierig ist, von der Form auf das verwendete Material zuschließen. Diese eigene Formensprache war dann selbst der Anstoß zu einer neuen Werkreihe, in der Foxcroft schwarzen Industriegummi für Ihre Arbeiten einsetzt. EYES ONLY* ist ein non-profit Kunstraum von Caro Jost mit dem Fokus auf internationale Kunstprojekte, in denen die klassische Rollenverteilung zwischen Künstler, Galerie, Museum, Kurator und Sammler aufgelöst wird. Im Herbst 2014 startete EYES ONLY im „Museumsareal München“ in einem kuriosem 10 m² großen Ladenraum, der nahezu nur aus einem Schaufenster besteht. Alle Ausstellungen und Aktionen finden in diesem ebenerdigen Schaufensterraum statt und sind „rund-um-die-Uhr“ durch die Scheibe zu betrachten.
EYES ONLY, München

Schellingstrasse 48
80799 Munich

Germanyshow map
show more

show more results